De l'art helvétique contemporain

 

 

 

Le monde de Camilla Maraschini est sans cesse parcouru d’obstacles que les êtres (femmes surtout) calés ou décalés tentent de vaincre. Ces personnages peuvent sembler fretins ou frisures mais ils deviennent des fables. Elles disent quelque chose qui n'est ni le propre ni le figuré. Plans comme proéminences créent non seulement des rythmes mais des lieux de hantise  où il est difficile de préciser le dehors et le dedans et ou les personnages restent en équilibre sur divers "plages" qui sont autant de fils de rasoir. D’autant que l’artiste ne cherche jamais à clore là : elle crée le mouvement au sein de la fixité.  La Lausannoise d’adoption garde un regard empreint de mélancolie mais sans s'y éterniser. Son geste de prise n'approche rien d'établi, il mise sur l'occasionnel, sur l'opacité des  situations pourtant simples en apparence. Le monde n'est pas pour l’artiste un terrain de jeu mais de quête. Son horizon est toujours tenu à distance, oblitéré là où les êtres deviennent de sinueuses tigelles (parfois grassouillettes) physiques et affectives. Elles oscillent sur la matière brute de la réalité.

 

 

 

Camilla Maraschini  n'est ni dans la sensorialité pure, ni dans le rationnel. Et elle n'est pas plus dans une superposition des deux. Elle se situe dans l'entre-deux qui sépare au sein de l’espace les êtres et les choses. Dessins, peintures ou sculptures deviennent des paysages intermédiaires, des marges centrales. Une douceur étrange envahit le vide mais elle n'a rien de sentimentale puisqu'elle ne répudie pas le tranchant de la visée et refuse l’artifice. Cette douceur n'est ni tranquille, inquiète, arrêtée ou  muette mais peut devenir violente intérieurement, intrinsèquement.  La plasticienne possède en ce sens le mérite d'apaiser sans édulcorer. La douceur est la force de la lumière sur l'ombre, du talc de la première sur l'"encre" de la seconde. Chaque pièce est l'amorce d'un état flagrant de l'existant là où apparemment il n'en existe plus guère parfois. D'où le développement en dissonance de diverses harmoniques. Où il y a presque rien, surgit un presque tout.

 

 

 

 

 

 

Peintre, créateur d’installations, curateur, galeriste (entre autres) Sigismond de Vajay révèle le monde dans les éclairs et le tonnerre. Il montre combien la société contemporaine imprévoyante détruit l’équilibre naturel. Dans ce but, celui qui a fondé la galerie "Toit du Monde" à Vevey, le centre d'art KBB à Barcelone ainsi que la maison d'édition du même nom à Buenos Aires et a organisé de nombreuses expositions internationales use d’une force magique. Chaque œuvre souligne combien la cupidité et la concupiscence  des adorateurs du profit considèrent la beauté même comme un paillasson. Ses œuvres sont à ce titre sursaturées de formes ou d’objets tyranniques (chaînes, cheminées) qu’il « tisse » à sa manière. Le rouge est palpé par le noir, le fleuve e st un éclair qui déshabille le paysage. Tout devient une pavane avant l’attentat du monde où des pavillons se ferment avec chaque jour un peu moins de paradis et un peu plus de tombes.

 

 

 

 

 

 Chaque œuvre devient un « de profundis clamavi » en voix de cendres où l’inharmonie devient néanmoins harmonieuse. Des contraintes naît – art oblige – une connaissance qui devient plus opérante que n’importe quel écrit politique. Surgissent des mouvements perpétuels dans des images pourtant fixes. Ce sont des cages de Faraday où les impressions d’emprise sont prégnantes. La nature y est en fuite : elle n’est même plus visible. Le sombre domine. Chaque œuvre concourt à des allusions sensitives dans une affluence de rapprochements et de raffinements au sein de l’enfer montré selon diverses entrées. La fin y devient un signe précipité. Pour autant Sigismond de Vajay pour espérer un cri d’oiseaux sur la luzerne plutôt que les croassements des corbeaux sur des charognes. Que la belle étoile se lève loin de la gueule des loups.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

Dégageant l’illusion de  représentation figurale ou abstractive, Fanny Gagliardi ni crée uneneutralité constituée de plages recouvertes d’un écran de fine toile de lin. Ces plages sont celle du châssis peint sur lequel l'artiste place parfois un miroir. Dans un jeu de peinture, réfraction et lumière  l’œuvre devient un objet mystérieux. Entre effacement et apparition l’image touche une forme de cérémonial comme dans l’œuvre intitulée "Hommage à Jacques Chessex" dont la surface voilée de noir émane le châssis en forme de croix. L’œuvre la plus simple et sobre devient sacrée voire sacrificielle ou cérémonielle. L’artiste  sort le voyeur du théâtre des leurres afin de faire surgir une intimité étrange en une  paradoxale matérialisation ou « corporéisation ». L’image-peau devient carnassière sans pour autant porter à une adoration ou à un charme irréfléchi. L’œuvre  ne témoigne pas seulement d’un plaisir de montrer mais de toucher à l’impalpable devenu effet de matière.

 

 

 

Maniant la douceur comme l’énergie capable d’agir sur le regardeur la Genevoise modèle la volupté d’une masse improprement inconcevable avant les expériences de Support-Surface. La créatrice les pousse plus loin au cœur d’une émotion  paradoxale en un rituel quasi religieux à certains égards (et non seulement par effet de croix). Devant  une telle “ fiction ” de l’art l’illusion n’est plus possible. Les sacs de “ peau  ” montrent leur pâleur intérieure. Le voyeur assiste à la réalisation physique de figures de langage. Si l’artiste ramène à lui, celui-ci  ramène à l’être en une procédure de contamination et d'ironisation de l’image redevenue  figure de style plus que métaphore. Fanny Gagliardi ni creuse donc le doute dans l’ambiguïté construite afin de décapiter les évidences. A qui poserait la question : Qu’est-ce que le “ sujet ” dans l’œuvre ? il sera répondu que le sujet est avant tout la peinture elle-même : voilée mais dévorante en  déliant les purs effets de réel comme de la spiritualité voire de la sensualité.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret