De l'art helvétique contemporain

Pierre-Alain Mauron vit et travaille à Signèse et à Sainte-Croix. Diplômé de l’Ecole des arts appliqués de Vevey, il poursuit depuis longtemps sa pratique picturales sous formes de collages, gouaches, graphites, encres et craies. L'exposition de Saint Maurice qui vient de se terminer abordait différents travaux inspirés par des oeuvres littéraires : Joyce, Duras, Gary et Lewis Carroll. D'autant que le livre comme la cimaise et l'architecture sont au centre de l'expérimentation du Valaisan.

Elle est toujours en mouvement et allègre. L'artiste laisse donner libre cours à son imagination et sa fantaisie à partir du thème qu'il a choisi d'évoquer. Abstraite, sa peinture est lumineuse et riches d'irisations là où les éléments premiers se mêlent sur une matrice que le modeleur rehausse ou métamorphose.

Ses mains cherchent des sortes de fondations à des pages ou des façades englouties sous formes des tatouages sauvages. Sommes nous du côté de la chimère ou de la vérité ? Les deux sans doute car elles ne sont pas incompatibles. Tout reste de l’ordre de l’énigme et du mystère. Pas question de donner des clés au regardeur sinon celles que les indices offerts indiquent sous forme de dérives. La peinture devient l'histoire d'une accession au livre et - par l'intermédiaire de la première - une accession à soi.

Jean-Paul Gavard-Perret

L'artiste vient d'exposer à la Galerie Oblique, Saint Maurice (Vs) "gouaches nécessaires".

La lumière noire hante l'Imaginaire de Sylvie Valem. C'est là et en dépit de la crainte du noir pur, comme du blanc pur, que se crée l'éloge de l'absence, d'un certain vide et du silence. D'où le grand paradoxe de celle qui est fascinée par les images mais qui tente de traverser les écrans des décors, de réinventer la vue et de rameuter l'inconnu.

Pour Sylvie Valem l'objectif est moins de découvrir de nouvelles images que de jeter la mémoire au vif des destinées là où l'être tout en restant présent est soustrait à sa capture. Ce travail rappelle une phrases d'un héros de Beckett :"J'avais appris à tout supporter sauf d'être vu" (in "Foirades III). Comme si chacun courait le risque d'un rapt figuratif. Dès lors la photo entretient avec son sujet un rapport décalé. Dès lors, même si de tous les arts, la photographie demeure celui qui ne peut se passer du réel, Sylvie Valem plutôt que de l'embrasser le porte au noir dans ce qui devient des ellipses de réalité.

Ce qui se "réfléchit" dans "Anamésie" n'appartient plus au domaine du leurre de l'apparence ou de ce que reproche Denis Roche à la photographie, à savoir "entrer dans la mort plate". Pour une telle créatrice le cliché est en abîme de monde et en son suspens. Le visage ne peut faire l'objet d'une prise. Et les corps comme les paysages "s'encendrent". Se crée néanmoins une étrange apparition : la vision n'est plus la possibilité de voir, mais l'impossibilité de ne pas voir ce "peu" qui reste et qui devient un tout. A savoir une image sourde mais capiteuse loin de toute réification au sein d'une absence programmée narrative et poétique.

Jean-Paul Gavard-Perret

Sylvie Valem, "Anamésie", Corridor Elephant, Paris, 2019, 32 E..

Depuis quelques années Christina Hofmann a choisi le cube comme module de base de ses sculptures. Néanmoins la Zurichoise ne le traite pas à la manière d'un ce que Pol Bury affirme dans "Les horribles mouvements de l'immobilité" : "la chair est étrangère au cube ce qui le rend sans doute un peu triste".  La plasticienne ôte à l'aspect formel, rigide et géométrique du cube son aspect massif et le transforme en un objet organique à travers des connexions - pointe à pointe . Elle évite de la sorte toute pesanteur statique.

Avec ce volume aux arêtes tranchées - paradoxalement - un contact d'intimité subsiste. Plutôt qu'une figure close, il devient l'"objet" d'une évolution et d'une instabilité. Ces "flying cubes" créent une autre manière de regarder le monde. Figure "minimale", selon Georges Didi-Huberman, il devient ici un objet presque magique, il échappe à sa spécificité formelle : il ouvre et entoure et se prête autant au jeu de déconstruction qui fait sentir le monde selon des angles particuliers

Subsiste dans ces agencement une aire de jeu au sein d'une volonté d'effacement de tout autre élément qui viendrait gâcher l'espace. L'oeuvre prolonge la série des Black Boxes du plasticien américain Tony Smith qui eux-mêmes renvoient aux cubes dessinés de Wyndham dont l'épure stylistique avait séduit Joyce et Beckett. Avec le cube le monde "parle" dans un refus du superfétatoire mais non du jeu. Loin de la brûlure des apparences pour celle de la "banquise" en fragment demeure là où de froid il est moins question que de chaleur. Le cube nous parle au dévers de l'intimité frelatée que propose le plus souvent l'art. Demeure en conséquence "quelque chose, mais moins que la chose, nous peut-être, moins que nous" (Beckett). Ou bien plus peut-être.

Jean-Paul Gavard-Perret

Ferrari Art Gallery, Vevey, 2019.