De l'art helvétique contemporain

 

 

 

Iseult Labote drape et pare la photographie de vulnérabilité au sein de réseaux ou d'empilements de stigmates. Toutes les matières photographiées se muent en opalescences plus ou moins abstraites et renvoient à ce qui pour Duchamp relevait de ce qu'il nomma "l'infra-mince". La Genevoise produit des intensités par soustraction. Les objets sont voués à la perte mais prennent une force expressive qui leur offre un devenir. L'inerte rentre donc dans un circuit mouvant où la déperdition se transmue en tacite recommencement.

 

 

 

Une telle œuvre par ses visions de près ou de très loin  crée l'illusion d'une peinture, d’un tableau qui navigue entre le réel et le virtuel, l'effacement et le surgissement à un temps princeps. L'introspection et la mélancolie voire la rétrospection ne se montrent jamais telles quelles. Elles se font "entendre" entre les lignes et les volumes. La théâtralisation prend une forme particulière afin que non seulement le réel mais le regardeur perdent leur aplomb. Les deux avancent, reculent à la fois complices et exclus. Les choses ne font plus partie de la photographie. Il n’y a qu’une seule solution à l’énigme, une seule conclusion possible : on ne voit que « de » la photographie : elle est le seul réel Ou le seul tableau dont la manière ineffable est pleine de matière qui pose la question du pouvoir de l’image, de sa force et de son poids.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

 

Fréderic Schnyder, Galerie Eva Presenhuber, Zurich.

 

 

 

Difficile d’englober l’œuvre de Schnyder dans sa totalité : certaines pièces pourraient appartenir à l’ordre des chefs d’œuvre d’une sculpture conceptuelles. A l’inverse des peintures paraissent volontairement « douteuses » par leur narration comme dans leur facture. Certaines œuvres de Bâlois sont peintes sur le motif et non sans citations (Van Gogh par exemple) afin pourtant de sortir du sujet et se battre avec la couleur et la composition que l’artiste s’amuse à casser : le centre est décadré et parfois un ersatz de regardeur rigolard est insérée dans le tableau. L’ensemble disparate forme néanmoins un tout qui appartient au registre de l’art qu’on nomme déceptif. Il prend le relais de Duchamp sans toutefois en dupliquer les « coups » mais en respectant son esprit. Pour Schnyder comme pour son maître - mais par d’autres voies – il faut lutter contre la fétichisation de l’art : c’est le premier chez Schnyder une certaine « laideur » est revendiquée pour telle.

 

Recyclant au besoin  les restes de couleurs de sa palette pour créer des tableaux abstraits, récupérant les résidus grisâtres des chiffons utilisés pour le nettoyage de ses pinceaux l’artiste crée des patchworks  ou « tachworks » (en rien tachiste). Il ne cesse de rebondir sur l’imprévu, l’accident, le fortuit. L’œuvre reste néanmoins inassimilable aux formes contemporaines dont le spectre est pourtant large. Une telle création intempestive, ironique, radicale surtout, ne cherche pas forcément l’adhésion du regardeur. Capable de tout pour saisir le rien l’approche reste aussi onirique que réaliste, monumentale et autoréférentielle qu’aberrante. Schnyder loin du tout un formalisme et dans un esprit ludique et pour libérer l’image de sa valeur d’icône porte une attention soutenue non seulement à son propos  mais à sa matière. Faisant du Fluxus à sa façon pour Schnyder la déconstruction redonne une vie à l’art par ce qui échappe au registre du beau.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

"-Et avant  le jour de la création  qu'y avait –il ?

 

-L'Attente" (La Genèse)

 

 

 

 

 

Brigitte Babel  reprend à sa main la grande phrase humaine. Par ses créations surgit l'incessant afflux du monde. Il répond à la plainte sans mesure de l'Origine que la peintre transforme en patience. A ce qui fut sans lumière le Genevoise accorde une clarté. A ce qui est fait d’une seule lumière elle offre variations et moirures. Elle apprend la séparation du réel tel qu’il est  (même si depuis quelques temps il pointe – à peine – son nez) pour s’accorder à l’abandon. Cela conduit à l'émerveillement contemplatif. L’œuvre est donc un cri vital, sourd, impressionniste, toujours temporaire, toujours menacé.

 

 

 

L’artiste touche le lieu que les mots ne peuvent atteindre. Sa peinture est un acte qui dépasse la pensée, l'anticipe. Elle reste une conquête, l'appropriation d'un souffle. La lumière du matin, du plein midi ou du soir métamorphose son éclair fixe, la rapproche d’une source mouvante en des syntagmes paradoxalement incalculables à la bonne odeur de souches.  Ce qui germe est de l'ordre de la sérénité. La peinture n'est plus un simple état mais un mouvement de marée. Elle prouve que si - comme l’écrivait Baudelaire dans « Le Vieux Saltimbanque » - l’art est l’opposé de la nécessité. Celle-ci ne le dépassera jamais.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret