De l'art helvétique contemporain

Cécile Hug, « Parterre d’oreilles », Galerie Anne Perré, Rouen, du 12 mais au 30 juin 2016.

Il arrive que l’image se fasse entendre. Cécile Hug lutte pour qu’elle « sonne » par un seul point d’apparition. Il faut qu’il soit visible en multiple déclinaison comme l’artiste l’a déjà proposé pour d’autres lieux du corps. Celui-ci reste d’une certaine manière métaphorique et l’interprétation demeurera multiple. L’image parle le silence : mais qu’est-il au juste ? L’instant peut-être où il y a possibilité de dialogue (écoute) mais aussi où le monologue intérieur (ressassement) s’arrête.

Dans son installation, son tapis d'oreilles, l'artiste fait de cette partie du corps  le bord du silence. L’image permet de voir une mer blanche et crée une tension qui à la fois la perpétue, la resserre. Avec le désir de bouler dedans. Mais tout en créant un éloignement et une distance ironiques. L’oreille devient éponge et nid. Elle absorbe et digère comme d’autres orifices. Elle affirme la nostalgie du et des sens. Le regardeur est aimanté par son champ. Et sa chimère.

L’oreille à elle seule fait lever bien des images. Nous ne sommes que ça : silence, bruissement, amour, sens, écoute. Et la « Bête ». Car lorsqu’il est impossible d’analyser le pourquoi et le comment, cela grouille par une seule image. Dans sa sécheresse elle ouvre là où tout claque et envahit. L’oreille devient le « cercle » riche à la fois de sa fin et de son commencement.

Jean-Paul Gavard-Perret

Annabelle Boyer, « Eve », du 20 avril au 18 mai 2016, Corridor-Elephant, Paris (www.corridorelephant.com)

Travaillant en argentique, avec un boitier Hasselblad, l’artiste privilégie le format carré. Elle opte pour le film Ektachrome Velvia 50 de Fujifilm car précise-t-elle « il possède un rendu fort en contraste, une belle saturation des couleurs ainsi qu’un grain film inexistant. La couleur fait partie de mon tempérament fort et mélancolique ».

Ces deux aspects psychologiques de la créatrice apparaissent dans ses « Eve ». En dépit de leur côté relique Annabelle Boyer ne discute pas avec des spectres : elle les quitte en les accouchant. Aux corps - et paradoxalement puisqu’ils restent dans le silence - la parole ne manque plus. Ils font mieux que la prendre : ils la montrent. Chaque œuvre devient le moment de l’opération (ouverture) pour atteindre la complétude qui porte en elle la cruauté natale de la souffrance.

C’est une invention pure. On fit croire à l’artiste qu’elle était impossible : heureusement elle n’en a pas tenu compte. La base de sa création est le corps avec ses morceaux de Lucifer et d’Ange. Mais contrairement à ce qu’on pourrait penser le corps n’est plus supplicié, écorché. L’esprit sort par le ventre car il a besoin d’espace, de rencontre. Il ne se complait pas en lui-même. Le corps débonde l’esprit avec en hommage collatéral non la Vierge mais Eve. La photographe fait entrer des flux d’existence.

Dès lors ces « Eva-naissantes »lancent des coups de dés. Elles font trembler les sphères d’en bas, la terre d’en haut. C’est un moyen de mettre, par ce capharnaüm, le bon ordre dans les vieilles casseroles de notre civilisation et d’obliger à chercher où est le corps, le « vrai », où sont sa sensibilité, son être.

Jean-Paul Gavard-Perret

Madeleine Jaccard, "Ode an die Flause", au "9a" de Berne, Avril 2016 et "installation", au "Café Hasard" de Bienne, avril-juin 2016.

Par effet de filtrages et répétitions les œuvres de Madeleine Jaccard illustre comment la vie se « tisse ». L’artiste crée d’immenses « toiles d’araignées » qui emprisonnent le monde entre figuration et abstraction. L’art perd sa fonction première de fétichisme pour revenir à l’esthétique en des linceuls et scapulaires imprimés et propices à des cérémonies secrètes où l’être est sans cesse recherché comme s’il voulait se retrouver ou chercher l’araignée qui au lieu « de filer un mauvais coton» crée des visions poétiques. La question de l’être demeure donc ouverte là où des histoires filées créent des forêts hantées comme dans une pièce de Shakespeare.

La vie se réfléchit de manière aussi vibrante qu’opaque, claire que floue. Au vacarme assourdissant des œuvres pétards, l’artiste préfère le « moriendo » car il est plus incisif. Les dessins créent une mythologie qui, au sein de la répétition, s’enrichit toujours de nouveaux éléments selon un filage particulier et des réseaux enchevêtrés mais parfaitement clairs. L’œuvre s’apparente à des traits dessinés dans l’espace. Leur accumulation va jusqu’à faire écran à la vision mais génère tout autant une dimension sculpturale. Nous sommes emportés dans un rêve et une fascination. Le désir y prend d’étranges proportions, séquences après séquences. Les regardeurs sont plongés au sein d’une communauté étrange. Ne subsiste aucune sollicitude sécurisante là où pourtant pointe une tranquillité apaisante.

Jean-Paul Gavard-Perret