De l'art helvétique contemporain

Rudy Burckhardt (1914-1999) était un cinéaste et photographe suisse-américain, connu pour ses photographies des panneaux peints à la main qui ont commencé à dominer le paysage américain dans les années quarante et cinquante.  Poussé par l’écrivain Edwin Denby, il a déménagé à New York de Bâle en 1935 et a commencé peu de temps après à filmer puis à photographier les rues de New York.

Il en capta le rythme attention et précision si bien qu'avec lui la photographie fixe n’a jamais autant bougé. Son œuvre reste défendue par "Tibor de Nagy Gallery". Son exposition "New York Hello!" est la dixième présentation du travail de Burckhardt à la galerie. Mais c'est la première consacrée uniquement à ses photographies et films des années 1970 et 80.

Un sentiment de danse et de mouvement est aussi visible dans ses photos que dans ses films ("Default Averted", "Cerveza, Bud" et "Ostensiblement"). Existe là une approche du cinéma vérité de manière légère et enjouée. Une chorégraphie urbaine jaillit dans un sens parfait de la construction de l'image fixe ou en mouvement. Le tout de manière simple. : le réel est suffisamment riche d'inattendu pour ne pas en rajouter :  «Je suis assez existentialiste et bouddhiste amateur pour croire que nous faisons les imbéciles parce que nous sommes vivants et éveillés (...) mais jamais en contrôle.” écrivait l'artiste.

Rudy Burckhardt, "New York Hello!, Photographies et films des années 70 et 80", janvier 2021, Tibor de Nagy Gallery, New York.

"La fabrique du pré" est considérée à juste titre comme le premier exemple concret de ce que Ponge nommera sa "méthode créative" d'analyse poétique et génétique. Néanmoins le "Je" tout puissant règne encore sur ce volume publié à l'origine à Genève par Skira  dans la collection "Les sentiers de la création". Il n'y doit son entrée - vu sa complexité de mise en espace - qu'à l'amitié du poète et de l'éditeur.

Entre l’essai et le poème, le livre constitue une réflexion originale sur le mécanisme génétique. Dans l’édition Skira de 1971 l'ouvrage est devenu  un objet esthétique particulièrement sophistiqué formé de cinq couches textuelles et de l’apport de l’iconographie.  S'esquisse une totalité dialectique entre le poème lui-même et la forme étendue de ses états antérieurs et préparatoires. Le jeu des couleurs y est important "matériellement" parlant. Le bis, couleur de la terre, rappelle en principe le creuset nourricier, le vert correspond à l’accomplissement d’une forme de vie, celle du végétal. 

A côté du texte  définitif, le "dossier du pré" oriente vers l’exposition de la variation comme principe créatif. Sont mises en tension deux représentations de la poésie : celle de la forme achevée, et son long processus de  tâtonnements en diverses variations. Ces options prévaudront dans les dernières œuvres du poète. Pour dire les "choses" - de l'huitre au cageot, du savon au pré - Ponge a donc inventé un langage multiple et un. Il est à la fois le référent et  aussi un méta-référent. Il  se décrit lui-même à propos d'un objet donné. L’ambition réflexive est donc portée au second degré, le « pré-texte » devient la formule du mouvement créateur dont le dossier génétique constitue une des représentations.

Francis Ponge, "La fabrique du pré",  Collection Blanche, Gallimard, février 2021, 144 pages.

Ann Loubert, "A visage decouvert", Galerie Chantal Bamberger, Strasbourg, du 30 janvier au27 février 2021.

Chaque œuvre de l’artiste suisse est ailée, créatrice d'un rythme subtil, trouvé de manière presque instinctive par celle qui en ses chevauchées pénètre l’immobile. L'artiste illumine le superfétatoire, le narratif en ce qui tient d’un mouvement lustral et germinatif là où le moindre donne naissance à des envols insoupçonnés.

L’artiste crée des atmosphères infimes qui deviennent démesurées. Le dessin s’affranchit des entraves en un minimalisme et une dilatation éthérée. Chaque œuvre recompose d’incessants échos et des chevauchements de fragments. Le déphasage de la composition tronquée crée une métamorphose de ce qui passe habituellement par l’opulence graphique. Tout semble ici à portée de coeur en une inspiration qui reste profonde pour nos temps présents si troublés.

Jean-Paul Gavard-Perret