De l'art helvétique contemporain

 

 

 

 

L’œuvre de Véronique Desclouds s’inscrit dans la parfaite opposition de ce qu’écrivait Madame de Sévigné : « Dans le Morvan, pas de bon vent, pas de bonnes gens ». La Genevoise pêche jusque dans les étangs les plus noirs et sombres la force profonde et la beauté du monde et des gens. Elle remue le portrait et le paysage avec intelligence, délicatesse et attention. Quelque chose sort toujours de l’ombre et rutile.

 

 

 

De longues berges écartées de brune, des montagnes burinées par le murissement trouvent un mouvement inattendu, de vieux visages inventent une douce complicité en soulevant l’incandescence où passe la vie. Chaque photo est un trésor dont Véronique Desclouds nous fait complice. Le regard est submergé de présence poétique. Les chaînes de montagne descendent comme des bijoux, les visages deviennent intenses sans chercher à plaire pour autant. Tout glisse de l’évidence au secret. Le filet noir à fines mailles cueille la « proie » comme l’écumette à la surface des sucres. L’artiste offre par effet de paradoxale évidence l’inconnu.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Thomas Bayrle, Galerie Mezzanin, Genève, Septembre-novembre 2014

 

 

Pour Thomas Bayrle art et religion sont inséparables. La jonction n’est pas nouvelle mais l’artiste la développa - come Beuys - à partir de l’iconographie chrétienne et ses bâtiments (monastères, églises, cathédrales). L’idéologie chrétienne a fondé des séries d’images-codes : position du corps du christ enfant par rapport à la Vierge, déclinaison des couleurs, etc.. L’artiste s’est donc d’abord intéressé à toute cette évolution historique qui ressemble à une déclinaison « musicale » de thèmes de base selon diverses productions aussi personnelles que de masse. Chaque artiste religieux crée en effet pour le peuple afin de l’endoctriner. Le caractère communicationnel de chaque œuvre est central et plus important que son caractère « avènementiel ». Les peintres religieux sont donc les précurseurs inconscients de ce qui allait s’appeler « la communication de masse » et selon des techniques qui reposent sur l’émotion propre à troubler les croyants, renforcer leur foi et la peur du « Maître » ou « Père ». Le créateur puise sa vision de l’art dans cette histoire de près de 1000 ans dont il offre une torsion particulière, « païenne » et « pop art ». Elle entre en écho révulsé avec les productions de communication politico-commercio-artistique du temps. Thomas Bayrle crée un moyen d'opposer être et devenir, vérité et illusion. Il souligne que - acquis ou inné - le déterminisme de l'art est réel. Il rappelle que celui-ci pose  le problème du temps et de l'espace politique et idéologique.

 

 

 

Comme pour Jan Voss, selon Bayrle l’art est  un moyen de connaissance ludique. Les œuvres en sont plus que la trace : les "résidus" scénarisés de manière ironique dans des saturations et sérialités d’empreintes. Après la religion - dont l’iconographie s’éloigne- la sexualité rôde selon divers traitements iconographiques. Explorant diverses techniques Bayrle reste aussi le maître des changements d'échelle et adore faire en grand ce qui a existé d'abord en petit (l’inverse est vrai aussi) afin d’attribuer aux images une dimension supplémentaire. Pourtant l’artiste ne se disperse pas : sans cesse il  reprend son propre parcours en remisant tout et en jouant encore sur dimensions, couleurs et matériaux divers selon des oppositions dialectiques. Demeure la prolifération signes, lignes, et images en perpétuels transferts et transbordements. Couleurs et rythmes délivrés de l'imitation sont mis en accords et désaccords dans ce qui tient non à l'abstraction ou à la figuration mais de leurs décalages. Dans la diversité sans hiérarchie de l’art contemporain, le plasticien exprime son tempérament, sa sensibilité tout en développant une analyse critique des images en des expériences "extraterritoriales" aux accumulations de réseaux, de formes aux vibrations fractales, tendues, ludiques. Se confronter à l’œuvre permet de comprendre l’énigme de l’art. Il est moins opaque qu’il n’y paraît. Par interstices, rapprochements, disjonctions Bayrle propose  plus qu'une image : une idée. Non juste une idée mais une idée juste qu’il veut vérifiable même si dans le travail poétique du plasticien l’art garde une puissance qui dépasse autant la raison  que la croyance aux idéologies quelles qu’elles soient.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

Raphaël Julliard,« Chromozone » , exposition  produite par le CEC du 18 septembre au 29 novembre 2014 et  « RREPTILES » livre d’artiste, 88 pages. Édition du Centre d’édition contemporaine, Genève, 2014.

 

Le Genevois Raphaël Julliard aborde diverses pratiques : dessin, peinture, installation, vidéo, performance. Chacune est modulée dans un processus de création qui peut parfois aboutir à un travail critique voire conceptuelle en partant néanmoins du concret le plus simple et considéré comme anecdotique. La création plastique peut donc surgir d’un quasi « hasard ». Réussite ou échec : ces mots sont inopérants pour définir des œuvres où tout est concentré sur la rigueur pas forcément perceptible car enduite de légèreté quasi nonsensique. Par exemple, reprenant la généalogie  d’un  sandwich jambon-beurre, l’artiste est parti du grain de blé au produit final en passant par l’battage du cochon et le barattage du beurre (Mon Sandwich, vidéo). Proche d’un radicalisme punk et dadaïste il a cherché avec Martina-Sofie Wildberger et Jérémy Chevalier, un événement nul, un geste zéro dont le rien  produirait néanmoins un effet créatif imprévu (le Grand N’Importe Quoi, performance, février 2011).

Aussi prolifique que précise, parfois autobiographique et souvent ironiquement  référencée la pratique de dessin et des mots (qui jouxtent certaines œuvres) mettent en avant le langage. Le calembour, le glissement phonétique ou de sens créent une mise en déséquilibre de ce que l’œuvre plastique semble faire tenir « debout ». Au Centre d’Edition Contemporaine de Genève l’artiste propose une exposition et  un livre d’artiste très particulier. Les deux retracent la rencontre du créateur avec un homologue américain : Richard Tuttle maître majeur du post-minimaliste actuel. L’exposition est une installation de grands dessins au crayon sur rouleau de papier et de mobiles en fil de fer style porte-manteau de pressing.

 

Grâce à Tuttle Julliard une nouvelle fois pratique l’art de la référence. L’ « invité » reste pour le Genevois un maître dont le travail permet d’approfondir sa propre démarche. Il se module dans le livre d’une conversation avec l’Américain. Le dialogue devient une manière de socle aux futurs travaux de l’artiste. Par cette enquête filée auprès de Tuttle l’artiste renforce une esthétique de la précarité formelle et une pensée de l’éphémère visant à contrecarrer toute une idéologie plus ou moins métaphysique de l’art sans pour autant basculer dans l’inverse : un matérialisme que Julliard et son gourou provisoire décapent par le minimalisme et sa force d’épure et d’érosion.

 

Jean-Paul Gavard-Perret