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28/03/2014

« Blanc Bonnard et Bonnard blanc » - Didier Rittener

 

 

 

 

 

Rittener.jpg« Le syndrome de Bonnard », Mamco Genève, Le Bureau, Villa du Parc, Annemasse. 5 avril-31 mai 2014.

 

NB : 16 avril à 18h30 : conversation entre Christian Bernard, directeur du Mamco et Garance Chabert, directrice de la Villa du Parc.

 

 

 

Une légende accrédite de fait (supposé ou non) que  Bonnard à la fin de sa vie ait tenté de repeindre « en douce » certains détails de ses toiles. Il aurait été interpelé par un gardien du Musée du Luxembourg alors qu’il retouchait le vert d’une feuille d’arbre d’une de ses premières toiles. L’anecdote vraie ou fausse permet de mettre en opposition deus logiques : celle d’une institution propriétaire d’une œuvre et qui en garantit l’intégrité,  de l’autre de droit « moral » ou esthétique d’un créateur soucieux d’offrir au public ce qu’il estime une plus-value qualitative à son œuvre modifiée. Bonnard n’est pas le seul dans ce cas : certains artistes ont été taxés de vandalisme en voulant retoucher leurs œuvres. Ils furent même parfois trainés en justice. Il y a là à cette confrontation aucune réponse satisfaisante.  Partant de cette dichotomie « Le Bureau » (Villa du Parc)   a invité  sept artistes dont le Mamco conserve une œuvre (Francis Baudevin, Nina Childress, Jean-Luc Blanc, Vincent Kohler, Renée Levi, Didier Rittener, Claude Rutault) à proposer une nouvelle version sans néanmoins entamer l’intégrité matérielle de la pièce originale.  L'exposition met en avant l’impermanence d’une œuvre d’art. On s’en doutait d’ailleurs. Mais elle permet surtout de voir comment une œuvre peut évoluer dans le temps. Ce qui n’est a priori pas forcément original : de nombreux artistes utilisent systématiquement l’effet de reprises.

 

 

 

Dans cette proposition l’artiste qui offre le plus d’intérêt est le lausannois Didier Rittener. Il se dit lui-même, « un manipulateur d’images, qui combine une démarche conceptuelle, un travail instinctif et une attitude héritée du surréalisme ». Pratiquant le dessin selon un procédé particulier et à partir d’un matériau visuel existant le questionnement engagé par le « syndrome Bonnard » était fait pour lui.  L’artiste a par exemple créé deux dessins en fresque (numérotés 394 et 399)  à partir du « Naufrage » de Turner et  du « Radeau de la Méduse » de Géricault. Le calque lui permet de réaliser bien des transferts qu’il retravaille à l’ordinateur et qu’il imprime sur divers supports.  L’œuvre « indexée»  à partir d’un original permet des métamorphoses qui font oublier celui-ci. Il en va de même pour l’œuvre revisitée en un auto-référencement pour le Bureau. Elle  échappe à son modèle afin de voler de ses propres ailes. Didier Rittener prouve donc  (s’il en était besoin)  qu’entre une œuvre de départ et sa reprise et son déplacement il n’est plus question de blanc Bonnard blanc et  Bonnard blanc.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

23/03/2014

Jérôme Richer et la littérature en mouvement

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Richer 2 bon.jpgDe Jérôme Richer : « Mon corps dans la bataille »,  « Nous sommes vivants », « Si t’es venue à Limoges  pour critiquer t’aurais mieux fait de rester en Suisse », «  Je me méfie de l'homme occidental (encore plus quand il est de gauche », « Une histoire suisse ».L’œuvres est publiée aux éditions Campiche et Alna et l’écrivain  poursuit une activité de metteur en scène. Sa compagnie est en résidence au Théâtre Saint Gervais à Genève.

 

 

 

 

 

 

 

Ecrire ne sauve rien, pourtant il suffit de quelques textes, de quelques poèmes pour faire le bilan ou tout au moins le point sur une vie, sur sa trajectoire. Jérôme Richier le prouve à travers sa propre écriture, ses lectures-performances comme avec ses ateliers. Avec « Mon corps dans la bataille » - montages de textes anciens ou inédits d’autofiction - l’auteur met en mots et en scène les contradictions du monde qu’il porte (comme chacun de nous) en lui.  Ce travail est présenté dans la région de Limoges jusque dans des milieux carcéraux  ou des écoles. Ce texte est relié à des ateliers d’écriture où  l’artiste propose des prises de parole des détenus et des écoliers pour mettre en voix le monde et tenter des rencontres.

 

 

 

Richer.jpgIl arrive que par oxydation de la langue, la littérature - en marche et en marge - torde le coup à la vision platonicienne des "choses".  Que tout passe par la langue est en effet ici important : il ne s'agira pas à coups d'évènements, de vignettes ou d'images de se rincer l'œil et de rendre la lecture apaisante sous forme d’onguent. Surgissent le regard des homme sur des femmes, des femmes sur les hommes et des deux sur le monde. Dans la caverne que creuse et habite l’écrivain et dramaturge  le corps s’impose désassemblé puis reconstruit avec  sa part maudite et ses larmes d'Éros mais avec ses joies aussi. Dès lors la littérature n'induit plus l’appel (vain) à une sorte d'éternité mais à une fragilité, à quelque chose d'éphémère où l’être finit par se mouvoir et bouger.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

20/03/2014

Roger Pfund : Maria (Callas), Colette et les autres

 

pfund bon.pngRoger Pfund – galerie Isabelle Dunkel, Carouge.

 

Roger Pfund lorsqu’il peint, dessine ou grave des femmes se contente d’esquisser les jalons du mythe amoureux à travers des icônes. Il ne retranche pas le désir. Mais n’insiste pas non plus. Ne se voulant ni saint ni démon ni même amant il se revendique artiste. La femme est  représentée en solo comme si son existence devenait immersion dans sa propre peau. Elle épouse la chair là où la magie des traits et des couleurs prend le relais du sexe et de la notoriété (soit elle celle du mythe)  afin de graver une prière implicite : que rien ne vienne déranger le plaisir féminin de ce qu’il est.

 

pfund.jpgTous les mots sont tombés en chemin comme une petite monnaie. Le souffle de la couleur transcende le portrait pour interroger la force de l’éros qu’il suppose. La femme s’y fait première de cœur et de corps, de voix ou d’écriture, consciente d’éprouver la jubilation du désir et la plénitude de l’accomplissement. Elle est celle qui demeure sans jamais changer. L’étreinte la noue à elle-même. Roger Pfund le suggère dans un poème optique et muet qui ne perd jamais de vue - en dépit de ses fragments -  l’unité et l’excès. Le monde est comblé et l’espace  ouvert là où, lorsque la fleur trouve sa tige, le plan est occulté. Reste l’iconologie subtile qui s’affronte dans un mouvement de colline et de flux offert à la promesse hors de mesure.

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret