De l'art helvétique contemporain

 

 

Livia Johann construit des objets-images sous forme de schémas, de structures afin d'éviter l’entrée en jeu d’un signifiant-maître quelconque. « Nulles » au regard du système signifiant l’œuvre propose une forme « d’image à côté de l’image ». Le travail de celle qui est désormais genevoise est de l’ordre d’un maniement calculé. Il n’est  pas celui de tout le monde ni celui ce dont tout le monde jouit. L'image devient métaphorique. Elle remanie les rapports au monde à travers trois termes vitaux : le réel, le désir et la jouissance. Ce que l’artiste assemble se soustrait à la signifiance habituelle, à sa littéralité en créant une approximation d'un chaînon manquant.

 

 

 

A sa manière Livia Johann élargit le spectre de l’assemblage en une succession de blocs ou de traits pour cadrer une béance. De la volontaire "défaillance" de l'objet-art  surgit une autre présence : celle d’une production de la perte et du « manque qui meut » (Patrice Chéreau). Les deux amènent à découvrir par renversement ou assemblages la paradoxale stabilité d'un inachèvement.  L’objet ou plutôt son matériau est à chaque nouvelle étape le seul réel à partir duquel peut s’entamer le processus artistique. Il permet selon la formule de Lacan de « se mettre dans les conséquences de la perte ». Il  produit des espaces interstitiels alimentés d’un sang qui ne chauffe plus. L’artiste fait donc partie de ces créateurs qui - après Walker - refuse la totalisation de l’image et décolle l’imaginaire d’une simple reproduction. Au regardeur de  reconstruire le monde avec ou sans risque de tomber dans la névrose de sa propre division. Il peut néanmoins retrouver là  une unité perdue ou volée par les images habituelles qui jouent à notre insu au nom de ce qui dans leur cas n'est qu'une impasse de la jouissance face à laquelle la jeune genevoise s’insurge.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

Stephane Blumer vit toujours entre deux temps, deux mediums, deux langages ou deux frontières. Hier en Suisse (il est né à Genève) aujourd’hui à Londres ou peut-être déjà à Beijing. L’artiste cultive les ambivalences, les ambiguïtés et la liberté. D’où son goût pour les langues et les objets à défricher par divers types d’hybridations ou de changements d’échelles. Toujours sensible aux connexions le créateur peut néanmoins créer - plus que des mixages - des isolements particuliers où l’être reste -stricto sensu en « ombre chinoise », en arrière plan. Pour l’artiste une rigoureuse mise en espace  vient toujours  non de la majesté qui paralyse mais d’une vulnérabilité  drapée de subtiles « cicatrices » par souci de la perfection.

 

 

A l’analyse Stephane Blumer préfère l’objet : parfois simple blason ou « emoticones » rendus obèses. Mais il peut travailler à partir d'architectures compliquées qui le font passer de Rauschenberg à  Cobra, de Tinguely au concept art. Le poids de l'histoire ne constitue pas un problème pour le Genevois. Le passé existe mais il n’empêche pas les expérimentations pour une création qui ne cesse de proposer divers types d’aventures plastiques et la confrontation de diverses cultures. L’artiste cultive les intervalles troubles entre volume et couleur, entre la main et l’œil, entre le corps et sa théâtralisation. Le spectateur est à la fois complice et exclu. Complice de l’illusion. Exclu  par des spectacles qui l’incline à l’admiration.

 Stephane Blumer est représenté par La Scatola Gallery de Valentina Fois (Londres).

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

Plus que se situer entre l’univers de la narration ou du documentaire l’œuvre de Clémentine Bossard ouvre une poétique où travaille l’énigme de l’imaginaire. Paysages et personnages nocturnes ou évanescents mais toujours troublants créent un absolu particulier. Le réel le plus cru n’y est pas pour autant sacrifié. Tout est présent de manière fragile et flottant dans des éclairages aussi froids que prégnants. Ils donnent à chaque corps ou lieu un état de latence que traduit bien le titre d’une série de l’artiste : Volny Doma (maison vague). Au-delà de tout cliché (même et surtout lorsqu’il s’agit de la nudité) l’artiste crée une théâtralité particulière et une présence fascinante soit dans les bains publiques en Russie, soit au milieu les friches industrielles.  La relation au corps et à l'espace y est revisitée entre réalité et onirisme dans une approche que Clémentine Bossard définit ainsi : "Entre mon regard et celui de ma caméra j'essaie de retrouver une présence que l'on peut parfois perdre lorsqu'on se retrouve derrière le viseur ou face à une image et son aspect bidimensionnel ou plat". 

 

 

 

La photographe fait de la transparence un mixte de mensonge et de mystère. Celle-ci est donc le contraire d’une évidence. Au voyeur  de se débrouiller là où le génie de l’artiste consiste à échapper à la médiocrité des certains regards. C’est une manière de porter atteinte aux règles même celles du refus de l’existence de la part de celle qui ne se moque jamais du plaisir. Pour elle les initiatives de manquer à la vie sont trop nombreuses. Elle les remplace par tentatives d’évasion ou des efforts de liberté. Cela permet de mettre en abîme le néant pas une poétique de scansions qui se différencie du commun photographique. L’être surgit souvent dans sa splendide solitude mais aussi en sa volonté de s’amuser de tout. Grattant les dépôts du réel Clémentine Bossard saisit donc l’inatteignable. Il ne s’agit pas de modifier le pessimisme mais de lui provoquer une entorse là où, étant donné les décors,  cela reste inattendue.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret