De l'art helvétique contemporain

Rémy Zaugg, « Un mot un tableau » , 20 fevrier - 29 mars 2015, Centre Culturel Suisse de Paris.

Les  marteaux des mots font  dans la peinture de Rémy Zaugg de la bonne musique. Ils ne pas cognent pour les chiens. Il fallut à l’artiste (1943-2005) pour les actionner de la testostérone et un toupet à l’âme. Bref un cœur dur, bien trempé, Et de la discipline. Comme celle des bêtes vissées à leurs brancards pour forcer des incrustations d’inoxydables tentations. Nous les entendons-voyons  encore. Toute la matière, tout l’univers est suspendu aux sons des mots devenus images. Elles sont données à voir, à lire et pour entendre l’animal humain. Son plaisir et sa plainte.

De telles œuvres laissent le spectateur à distance pour mieux le prendre dans leur intransigeance. Le regard devient lecture de ce qui surgit en ellipse plus que par slogan. S’y affirme la force de l’existence dans une thématique liée  à la présence, la mort, la vision et la cécité. Si les mots priment, la couleur et la composition gardent toute leur importance. L’univers pictural devient sonore. Dans une forme de  disparition de l’image le monde apparait. L’homme n’est qu’une bête hurlante.  Ses mots sont des rébus. Ils sont de l’espace insensé. Rien à l’intérieur. Rien à l’intérieur. Ils sont à l’extérieur de l’espace. A l’intérieur de personne. La seule figuration reste donc la lettre, ses  règles et leurs exceptions. Car il n’y a jamais un seul centre, chaque « cadre »  est sujet à bien des digressions intempestives et des circonvolutions énigmatiques. En sa peinture autophage Rémy Zaugg met toujours le feu au cerveau. Sans autre espace que ce mouvement de flux et de reflux bref de rythme. L’artiste inverse juste la vue. La réinvente. Point de respiration. Point de suspension. L’hallucination incantatoire, l’apparition de l’inquiétude rythmique hurlant à la charnière des mots et de l’image. Rien n’est à l’extérieur d’elle sans être  tout à fait à l’intérieur de nous. Et c’est pour cela que l’œuvre suit son cours.

Jean-Paul Gavard-Perret

Nul ne peut dire si Nicolas Party en dessinant  au pastel une femme saisit le diable ou l’ange. Exhibant par exemples des jambes drupes - fleurs à l’envers du vase d’une jupe - son œil les pénètre. Si bien que chez ses modèles des lèvres se mordent, des dents brillent en un sourire. C’est pourquoi l’artiste retarde sans cesse l’instant des encore, encore. Dans les spasmes des prises, les cuisses et leur fourche, les seins, les épaules, les aisselles, les yeux étincellent. Les corps longilignes arrondissent poitrines ou croupes. Les femmes n’écoutent que leurs mains au besoin. Leurs vingt doigts s’y amarrent. Le corps remplit tout l’espace : grandissent les fantasmes dans le clair et le foncé, la brune ou la blonde. L’image qui dénude tente d’en percevoir un  mystère. Pour autant le voyeur ne fait pas un avec la femme même s’ils deviennent un scoubidou de deux fils serrés que l’électricité secoue. Surgit de fait une histoire décalée. Le regard regagne l’ombre d’un sexe duveté  tombé du soleil dès qu’un modèle se cambre.

Jean-Paul Gavard-Perret

Nicolas Party, Pastel et nu, Centre Culturel Suisse de Paris, du 16 janvier au 15 février 2015.

Jacqueline Devreux présente de la femme une image différente de ce que les hommes attendent comme de ce qu’en proposent les photographes mâles. Humilité, simplicité dans la sophistication permettent de montrer le côté double la féminité dégagée de toute mollesse, condescendance  ou provocation de mise en scène. Toutes les prises sont près du corps sans forcément le mettre à nu. La transgression passe par cette « théâtralité de la théâtralité » afin de faire surgir une autre vérité souvent pare effet et séries. Vagabonde magnétique Jacqueline Devreux suggère le mystère à ras de réel. Avec subtilité elle organise des variations au sein d’une odyssée reviviscente où le corps prend parfois des aspects hallucinatoires mais sans débordement intempestif. L'image reste froide comme l’hiver sur l'Hudson River. Si bien que même le brûlant du fantasme ne peut faire considérer ces photographies comme de la "visibilité cutanée". Le corps jouxte soudain d'autres abîmes subtilement évoqués. Preuve que la photographie n'est pas une façon de faire autrement, mais un moyen de construire autre chose.

Par morceaux surgit un chant doux et mélodieux. Photographier c'est le reprendre tout en le renvoyant au silence d’où il sort comme à l’extase et à une certaine inquiétude. Et ce loin de toute narration et en dehors de tout élément diégétique. Chaque photographie fait naître des sensations et idées complexes le plus souvent à travers une femme en solo et l’entretien infini que la photographe tient avec elle.

Il existe là peut-être la peur et la fascination du corps de l'autre, la peur et l'envie de son propre corps, de ce qu'il cache de ce qu'il montre à l'autre et qu'on ne veut pas montrer, la dichotomie entre intérieur et extérieur, la question de la maîtrise de ce corps que l'on voit en surface, mais aussi au plus profond de la chair.  Preuve que l’art n’est pas qu’une histoire de peau et de surface.

Jean-Paul Gavard-Perret