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15/12/2017

Zhang Haier : Femmes

Zhand Haier.jpgZhang Haier, dans les années 80 et avec sa série « Girls » a créé une surprise dans la photographie chinoise. L’artiste échappe à l'intertextualité politique et l’idéologie tout en évitant de les affronter de face. Il a biaisé les tyrannies en imposant sa vision et une « ex-citation » face aux citations idéologiques. Sa provocation fut plutôt considérée comme intrigante par sa façon d'exprimer et de documenter la féminité avec autant d’intimité que de puissance. L’artiste a créé un lien de confiance avec ses modèles et elles ont accepté le jeu de la proximité. Dans un monde où l'identité a été diminuée et dévorée, apparaît toute une diversité que l’occident a tendance a oublié lorsqu’il s’agit de la Chine.

Zhand Haier 3.jpgLa féminité y est multiple, douce ou implacable. L’artiste donne aux femmes autant de spiritualité que de sensorialité. Celle ci avance souvent masquée et par la précision des prises elle est plus intense et créatrice d’émotions qui échappent aux plaisirs vicaires. La dignité de la femme est toujours respectée voire magnifiée. Une imagerie se décline en une suite de portraits kaléidoscopique.

 

 

Zhand Haier 2.jpgInsidieusement chaque image passe ainsi de l’extérieur (socialisation du vêtement), à l’intérieur, à ce qui ne se voit pas forcément mais que suggère une mise en scène où chaque femme est considérée non comme un symbole mais une personnalité inaliénable et qui se revendique comme telle. Zhang Haier reste un photographe à part dans l’histoire de son art. Il ne refuse pas de regarder la tradition mais sait aussi anticiper l’avenir si bien qu’implicitement chacun de ses portraits devient celui de femmes en lutte pour leur intégrité. Elles semblent revendiquer ce qu’elles font et qui elles sont là où le photographe ne cherche pas la séduction à tout prix mais une forme de vérité.

Jean-Paul Gavard-Perret

Zhang Haier, Exposition inaugurale du Musée de la Photographie de Lianzhou.

 

14/12/2017

Jennifer Avery et les dollyquescentes


Vinegar.JPGJennifer « Vinegar » Avery  aime jouer à la poupée. Mais éloignez les enfants ! Car il existe chez l’artiste un art particulier qui ignore le « dollyprane ». L’artiste crée, installe, scénarise, orchestre un monde. Il devient chamarré, hirsute, drôle, premier, exubérant. Et parfois inquiétant. C’est néanmoins une fête pour les yeux. Une liturgie drolatique, angoissante, chamanique et sauvage.

Vinegar 2.JPGIl s’agit de transformer le réel par la présence d’un imaginaire en des cérémonies d’un certain chaos. L’artiste répond à la fameuse phrase de Deleuze dans « Psychanalyse morte analysez » (paraphrase de la phrase de Beckett « imagination morte imaginez ») : mais ici l’outil de l’analyse n’est pas le texte mais le textile. C’est lui qui produit « l’inconscient là où Avery est autant Tex que Jennifer.

Vinegar bon 2.jpegA travers des « intersexions » et des jeux de bande, le monde devient un rébus coloré ou noir et blanc mais délirant.. Il permet de comprendre l’importance des sous-jacences ou arrière-fonds archaïques. Jennifer Avery transforme ses modèles en archétypes. Chaque poupée possède sa part d’humanité qui le retient au sexe, à la mort, à la vie.. Et celle qui les « performe » fait jaillir une vérité d’incorporation sublimée. Le dérisoire et le jeu deviennent essentiels, l’artiste accorde leur signifiance. L’art établit un transfert et un rituel, il permet le passage de l’interne par l’externe, par une sorte de renversement des frontières visuelles là où les oripeaux baroques deviennent une seconde chair, celle de la singularité d’une nature non altérée et première.


Jean-Paul Gavard-Perret

Jennifer Avery,

-« Les Mains sans sommeil », Palais de Tokyo, Paris.
- Série « Dolls », http://www.jenniferlavery.com/

 

12/12/2017

Les sanctuaires de Curtis Santiago

Santiago bon.jpgCurtis Santiago, Galerie Analix Forever, Genève du 14 décembre 2017 au 14 février 2018.

Barbara Polla présente la première exposition en Europe de Curtis Santiago. Né à Trinidad, l’artiste canadien développe  des recherches multimédias étendues jusqu’à la musique et la performance. Il est reconnu pour ses « boîtiers » et ses peintures pop art et art brut. Ses peintures trahissent l’influence de Basquiat et des artistes autodidactes. Comme pour eux l’art est pour lui un moyen de montrer le monde tel qu'il est mais le caricaturant, le grossissant ou en le réduisant. Ses images hybrides sont nourries par le mouvement des « cultural studies » et sa mise en exergue de toutes les minorités.

Santiago.jpgA travers les dioramas des séries « infinity » Santiago scénarise le monde sur une échelle la plus réduite possible. Ces représentations sont positionnées dans des boîtiers de poudre, de bijoux ou de cigarettes et autres boîtes à musique. Ce choix n’a rien d’anodin et propose une médiation particulière d’un genre volontairement « pauvre ». Néanmoins les scènes les plus larges ou violentes trouvent là un caractère « précieux » même si l’artiste ne fait pas dans l’orfèvrerie. A mi chemin entre la miniature et une forme de recup-art il n'est pas question dans cette modélisation de transformer les images en objet de porcelaine.

Santiago 2.jpg"Porter" sur soi de tels colis fichés devient possible sans pour autant les réduire à  des colifichets.  Les "sculptures" peuvent être considérées comme pense-bêtes où surgissent des détails « réalistes ». Les ensembles baignent dans une atmosphère glauque  ou violente. Une parodie grotesque, macabre ou sublimée touche au pouvoir mystérieux que l’art possède de réinventer le monde et de souligner ses tares ou ses luttes. Le spectateur demeure fasciné par un tel changement d'échelle : la réduction devient un spectacle quasiment intérieur. Surgit en conséquence une nouvelle version de l'esthétique la plus profonde, cachée et "sacrée". A savoir l'"intima spelunca in intimo sacrario". On n'est rarement allé aussi loin, plus profond en  de tels  « sanctuaires». Ils sont ici plus humains que religieux.

Jean-Paul Gavard-Perret