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12/12/2017

Les sanctuaires de Curtis Santiago

Santiago bon.jpgCurtis Santiago, Galerie Analix Forever, Genève du 14 décembre 2017 au 14 février 2018.

Barbara Polla présente la première exposition en Europe de Curtis Santiago. Né à Trinidad, l’artiste canadien développe  des recherches multimédias étendues jusqu’à la musique et la performance. Il est reconnu pour ses « boîtiers » et ses peintures pop art et art brut. Ses peintures trahissent l’influence de Basquiat et des artistes autodidactes. Comme pour eux l’art est pour lui un moyen de montrer le monde tel qu'il est mais le caricaturant, le grossissant ou en le réduisant. Ses images hybrides sont nourries par le mouvement des « cultural studies » et sa mise en exergue de toutes les minorités.

Santiago.jpgA travers les dioramas des séries « infinity » Santiago scénarise le monde sur une échelle la plus réduite possible. Ces représentations sont positionnées dans des boîtiers de poudre, de bijoux ou de cigarettes et autres boîtes à musique. Ce choix n’a rien d’anodin et propose une médiation particulière d’un genre volontairement « pauvre ». Néanmoins les scènes les plus larges ou violentes trouvent là un caractère « précieux » même si l’artiste ne fait pas dans l’orfèvrerie. A mi chemin entre la miniature et une forme de recup-art il n'est pas question dans cette modélisation de transformer les images en objet de porcelaine.

Santiago 2.jpg"Porter" sur soi de tels colis fichés devient possible sans pour autant les réduire à  des colifichets.  Les "sculptures" peuvent être considérées comme pense-bêtes où surgissent des détails « réalistes ». Les ensembles baignent dans une atmosphère glauque  ou violente. Une parodie grotesque, macabre ou sublimée touche au pouvoir mystérieux que l’art possède de réinventer le monde et de souligner ses tares ou ses luttes. Le spectateur demeure fasciné par un tel changement d'échelle : la réduction devient un spectacle quasiment intérieur. Surgit en conséquence une nouvelle version de l'esthétique la plus profonde, cachée et "sacrée". A savoir l'"intima spelunca in intimo sacrario". On n'est rarement allé aussi loin, plus profond en  de tels  « sanctuaires». Ils sont ici plus humains que religieux.

Jean-Paul Gavard-Perret 

 

 

 

 

 

10/12/2017

Roger Ballen et Asger Carlsen : quand le "ça" parle

Ballen.jpgRoger Ballen et Asger Carlsen s'amusent à distordre les corps, percer la psyché et renverser le portrait afin d'y joindre l'humour à l'animalité, le mixage des genres et le brouillage des mœurs. 23 ans séparent le Sud Africain et l'Américain mais ils partagent le même goût pour le côté noir du psychisme et de la condition humaine. Travaillant entre eux à distance grâce aux nouvelles technologies ils ne renoncent pas au "vieux" collage dadaïste et poursuivent son esprit à travers des photos collages, montages ou démontages. Jouant du grotesque, du macabre, du monstrueux et du sinistre ils s'en amusent afin de créer, face aux beautés et genres standards, leurs dysmorphies.

Ballen 3.jpgManière pour eux, comme chez les Dadaïstes, de se rapprocher d’un monde plus sain dont ils deviennent les outsiders rabelaisiens par leurs métaphores de la condition humaine. Ayant éliminé les moutons de Panurge ils créent leur abbaye de Thélème propre aux existences excentrées, périphériques. Ils soulignent tout autant par leur absurdité plastique celle du monde. Le comique fait passer la pilule amère de la transgression. Mais l’œuvre est moins cynique qu’on le dit parfois. A moins de prendre ce mot pour introduire des deux artistes dans le cercle des philosophes qui portaient ce nom dans la civilisation grecque.

Ballen 2.jpgJaillit de chaque image une poésie dégingandée et narrative : névroses, paranoïas et schizophrénies du monde occidental trouvent une assise. Le subconscient devient les matières et manières premières des deux moines paillards. Ils ne craignent pas de chatouiller où ça fait mal mais restent moins intéressés à des luttes spécifiques qu’à la remise en « formes » du concept d’être humain. L’univers désaxé permet de montrer des situations et des sexualités qui sont souvent anxiogènes. Les deux néo dadaïstes les rendent grotesques. Il faut les prendre comme deux plaisantins essentiels toujours prêts à creuser ce qui se cache sous la surface du surmoi et du moi. Bref en de telles images où les créateurs font flèche de tout bois, le « ça » parle » : il ne bégaie pas.

Jean-Paul Gavard-Perret

 

06/12/2017

Miles Aldridge : états des lieux

Aldridge2.jpgMiles Aldridge sous une esthétique cinématographique crée des photos en poil à gratter (même si les épilations sont impeccables. Les muses sont dangereuses en jouant au besoin les ravissantes idiotes. Dans un terrible esprit de fête il existe parfois des scènes de grand guignol. Les femmes salissent moquettes et parquets non sans un sens de la mise en scène. Cela sent la foudre même lorsque les égéries vont se calmer dans une salle de cinéma ou un bar interlope. Ailleurs les intérieurs sont impeccables. Les chambres arrivent avec des draps sans suite. Ils sont noirs de circonstances non atténuantes.

Alridge.jpgIl existe toujours en filigrane des scènes de ménage. Cela manque d’Evangile même lorsque les femmes jouent les saintes. « Vivez à l’intérieur de ce qui vous est imparti ! » semble dire une grosse voix invisible. Mais personne ne l’écoute. La satire est mélancolique au sein d’un équilibre entre une certaine hystérie en gestation (ou passée) et la farce. L’érotisme est bien là mais il est chaste tant les silhouettes sont froides au sein de compositions aussi léchées que baroques

aldridge3.jpgLa libération du corps reste parcimonieuse : Aldridge le prouve. Et s'en amuse aussi. Mais non sans références. Quant à la déférence, ce sera pour plus tard. Les fleurs carnivores font certes lever du fantasme mais la photographie ne manque pas de morsures. Car ce qui pourrait être pure exhibition ne l'est pas. Les images ne sont pas faites pour les plaisirs vicaires. Il s'agit d'une forme d'auscultations. Face à l’homme (qui n'est plus forcément bandé comme une arbalète) les femmes ont mieux à faire qu'offrir la fleur de leur secret. Voilà pourquoi il faut aimer les tigresses en une intimité est aussi ouverte que fermée. Il faut reconnaître à l’artiste la puissance de montrer sans l’exhiber la partie considérée la plus exacerbée de l’émotivité : la colère. Rentrée ou ouverte. Après la guerre ou juste avant son arrivée.

Jean-Paul Gavard-Perret