gruyeresuisse

27/08/2014

Joanna Ingarden-Mouly : la tentation du visible

 

 

 

Ingarden 2.jpgCapter une image c'est à la fois ne plus sortir de soi et ne plus y être En montrant comment cela se fomente, Johanna Ingarden-Mouly avance face à un « corps », une réalité qu'elle invente. Ce « réel » jusque là en déshérence devient celui de plaisir où se perdre. Les glissements de la représentation que fomente l’artiste ne détruisent pas la magie de l'art mais permettent de le retrouver. Une telle transgression ouvre peinture et photographie plus qu'elle ne lui offre un démenti. L’œuvre reste le lieu du mouvement, le lieu où les choses mutent. C'est un des enjeux forts de l’artiste. Elle se confronte à l'ébranlement et au dépassement brutal de ses limites plus par tentation de vie, attraction terrestre que spéculation métaphysique. Contre le sommeil de l'être englué dans les apparences  la Lausannoise réveille en révélant le rapport caché que les signes visuels entretiennent  avec le réel.

 

 

 

Ingarden.jpgSes images ne sont pas faites pour commémorer ni pour rapatrier vers un éden artistique même si la beauté demeure essentielle puisqu’elle ouvre le monde à une profondeur particulière. Joanna Ingarden-Mouly ne réduit jamais ses créations à de petits traités d’archéologie du fugace. Elle sait aussi écarter la tentation du raffiné pour le raffiné en préférant l'épure d'un langage où s’ébrouent les multiples avatars encore non mis à nu de nos désirs , de leur revers et la nostalgie qu’ils nourrissent.  De plus, l'artiste a compris qu’il ne faut jamais rechercher le prétendu marbre de l’identité supposée mais sa terre friable celle qui nous fait face dans le réel comme dans l’illusoire. Elle ne craint jamais que la matière lui manque. La plasticienne fait paradoxalement de la terre  sa force de gravité. C'est sans doute pourquoi ses œuvres creusent par lambeaux et ruines. Ils permettent d’  « exploser » l’âme par les corps afin de rétablir à tous les sens du terme un charme et une harmonie.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret.

 

 

 

 

 

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26/08/2014

Fantômes et matrices de Serena Martinelli

 

 

 

Martinelli.jpgSerena Martinelli touche à quelque chose de l’origine des signes, au tramage de l’espace en créant des organisations discrètes mais étranges. Une  sensualité rêveuse naît des formes ambiguës. Elles deviennent un vaste et obsessionnel aménagement du détour, de l’écart qui « retournent » la notion même d’image.  Celle-ci est désaxée, fait penser parfois à un trou sans bords ou un bord sans trou. Mais le travail de l’artiste vient lui opposer un plein qui comble le vide de surgissements fantomatiques.  Les couleurs sont toujours passées plus que pastels d’où la qualité d’une douceur rétive à la mièvrerie. L’illusionnisme existe mais dans un jeu d’indéterminations entre souplesse et rigidité. Est abordée - loin de toute théorie - l’ambiguïté forme/fond. L’œuvre voile de sa peau diaphane pour dévoiler une vérité de surface  où tout se diffuse par effet de capillarité et semble prêt à s’effacer par solarisation.

 

 

 

Martinelli 2.jpgSerena Martinelli crée une imprégnation particulière : plus ou moins absorbée la couleur prend à revers l’opposition fond/forme citée plus haut comme l’opposition signe/surface. Le signe transforme la surface non en s’y posant mais en s’y diffusant jusqu’à ne rester quelque fois telle une empreinte qui sourd du blanc. La profondeur de vision surgit d’un fond qui fait surface, d’une surface qui fait fond grâce d’un formalisme pertinent et attirant. Les empreintes ne tombent pas du ciel. Pas plus qu’elles remontent de manière inspirée d’un fond d’archétypes. Il s’agit d’une sorte d’imposition irrésistible d’une présence que l’artiste retient à l’exclusion de toute autre. Une forme sans forme (si l’on veut), illisible comme forme de quelque chose et qui s’intitulerait plutôt  « marques ». Elles imprègnent le support. A la différence du tracé dit « abstrait » une telle empreinte n’est pas gestuelle ou expressive. Son dessin est précis : il s’agit du dessein de quelque chose dont la rationalité traverse l’irrationalité et l’inconscient. Elle frôle parfois le figuratif mais sans tomber dedans. Nous pouvons donc parler d’un liseré critique de la figuration et de ses limites.

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

25/08/2014

Philippe Fretz l'homme seuil

 

 Fretz.jpgPhilippe Fretz, "In Media Res 4, Seuil et Terrasse I", Accompagné d'un texte d'Hubert Renard, art&fiction, Lausanne, 2014

 

 

Aux paroles de la Vierge Folle de Rimbaud - « J’étais sure de ne jamais entrer en son monde(…) Que d’heures des nuits j’ai veillé en cherchant pourquoi il voulait tant s’évader de la réalité. Jamais homme n’eut pareil vœu » - Fretz répond en montrant par quels escaliers ou terrasses cela peu passer. L'artiste reste avant tout l’homme des seuils : ceux de la culture et de l'histoire de l'art qu'il revisite  comme de ceux qu'il invente. Il dessine et peints des passages vers divers types d'extase. Son travail garde ici un œil sur divers édifices. Il subit leur attraction implicite et y cède comme à de beaux mirages. L’artiste vise à en faire naître le lieu de transit du désir. Il entraîne au delà du monde sans jamais le quitter, épouse son suspens, attentif à en repérer les signes souvent inaperçus. Déréaliser ainsi le monde ne revient pas à le nier, c’est le mettre à la jonction de plusieurs dehors et dedans.

 

L’extase du monde passe par le fait de laisser le regardeur en des lieux qui marquent le passage vers une autre chose  : avant de nous échapper elle échappe à elle-même. Apparaissant, ce quelque chose produit sinon une esquive du moins une attente. L’extase du monde passe par donc par de escaliers ou terrasses qui sont moins des réceptacles que des signes. La "maison" est là mais  nous n'y entrons pas. Reste la dépossession au point où le monde est dépassé mais où le nouveau n'est encore qu'une hypothèse plus ou moins vague. L’invisible est dans le visible comme le nombre dans la solitude. Ce qui est seul est seuil, sans rien d’autre. La présence disparaît en toutes choses pour être paradoxalement présente de toutes choses. Le seuil reste la dimension du monde comme présent et absent. Il rappelle combien nous sommes toujours en exil. D’où la mélancolie qu’il génère (plus que l’angoisse ou la peur). Car le rien est au fond du seuil comme il est au fond de la solitude. Il englobe l’être et son néant, contient l’invisible et le visible.

 

Jean-Paul Gavard-Perret