De l'art helvétique contemporain

Les bustes et pièces qui sont présentés par Céline Cadaureille à Lyon se situent dans la suite de sa quête. Celle-ci peut se qualifier de postsurréaliste  mais pas seulement. L'identité y est reprisée ou torturée de diverses façons. Pas pour autant de violence affichée. Au-delà de toute entité close, l'artiste propose un regard inconnu fait d'un corps espace débordant ou troué mais qui n'ignore rien de la densité de l'existence.

Chaque sculpture agit comme le signe d’une émotion au bord du maelström de matières, elle irradie, bande, désagrège ou réorganise, elle fabrique un bloc d’énergie pure mais  en diverses dissonances programmées. Même Aphrodite en prend pour son grade dans un exercice de cruauté. Et les œuvres sont autant une autopsie de notre époque qu’une réponse plus générale à ce qui fait violence à l’être. Elles illustrent combien cette violence est un état permanent, un désaccord profond avec soi-même et le monde.

Néanmoins l'approche est régénérante même lorsque au rouge sang font place des couleurs délavées et de grandes coulées noires. A coté des bustes certains objets deviennent des segments de rivière mélancolique couverte d’une pellicule végétale nacrée . Mais là encore il faut se méfier des surfaces. Surgissent dans tous les cas des paysages intérieurs, des lieux subtilement déréalisés par l'artiste là où la dimension rêveuse devient narcotique et vénéneuse. Souvent avec humour. Mais pas toujours. Car on ne peut sourire de tout.

Jean-Paul Gavard-Perret

Céline Cadaureille, "Face à face", du plâtre au grès", Musée des Moulages, Lyon, du 19 septembre au 28 novembre 2020

Selon la suissesse Cristina Rizzi Guelfi "nous avons besoin d’un visage " pour assurer notre psyché selon un processus de reprise égocentrée ainsi réassuré. D'où le succès des selfies. Ils deviennent le système de narration et de petite comédie d'une auto-starification du pauvre particulièrement dans une époque où les réseaux sociaux tiennent lieu de communication aussi frénétique qu'illusoire.

Mais toutefois Cristina Rizzi Guelfi détourne le selfie en illustrant à la fois son importance, son leurre, et comment ce dernier peut fonctionner. L'artiste en revéle les possibilités de tricherie de manière volontairement visible et tout autant enjouée. Elle prouve combien ce leurre est non seulement un attrape nigauds mais un attrape-toi toi toi-même. La  serie «nous avons besoin d’un visage [?]» est donc là pour se moquer d'une pratique obsessionnelle et  réparatrice.

La créatrice, en remplaçant les visages par des photographies achetées à une banque d’images d'archives américaines des années 1950 et 1960, montre à la fois que le visage peut devenir ce qu'il est - à savoir un mensonge - et qu'une société mondialisée fondée sur l’apparence et l’image de soi, oblige à une convulsion médiatique liée à une sorte de blessure narcissique. La représentation d'une apparence physique tente de la colmater  au moment où le visage étant celui d'un autre reste néanmoins et par procuration le monograme d'une psyché ironiquement sauvée par la démonstration de la créatrice.

Jean-Paul Gavard-Perret

Cristina Rizzi Guelfi ,«nous avons besoin d’un visage [?]», https://www.instagram.com/cristinarizziguelfi/?hl=it

François Ristori, "Traces-Formes", Joy de Rouvre, Genève, 31 octobre au 12 décembre 2020

Héritier de Support-Surface mais à sa manière, comme de l'abstractionnisme zurichois François Ristori a créé un monde-puzzle fait d'agencementts programmés. À l'époque du groupe BMPT (Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier, Niele toroni) il s'en rapproche et contribue, par ses recherches personnelles, au questionnement radical sur la peinture avec la mise au point d'une méthode de travail qui fonda sa doxa esthétique.

Dès son premier texte-manifeste "Peinture possible" de 1971 il évoque ses "Traces-/formes" souvent hexagonales et qui s'engendent les unes les autres d'abord en bleu, en rouge, en blanc, jusqu'à occuper la totalité d'une surface, par reprises d'un modèle préalablement établi et selon une méthode qui revient à réitérer un acte-tracé selon un même processus .

Le système comporte des combinaisons permettant à ces "traces-/formes" de se montrer à travers des répliques différentielles. Néanmoins l'artiste au fil du temps y opère des variations qui casseront en partie son  "post-automatisme" par la recherche de grandes taches couvrant toute la surface de la toile. Mais elle mettent cependant tout autant à distance toute subjectivité.

Jean-Paul Gavard-Perret