gruyeresuisse

09/06/2014

Jeanne-Salomé Rochat l’agitatrice

 

 

 

Rochat bon 2.jpgJeanne-Salomé est à l’image de « Sang bleu » (un des deux magazines  avec « Novembre » dont elle est dans les deux cas la directrice artistique) : alambiquée et canaille, « street-art » mais aussi chevillée à une culture dite « haute ». Son travail parle le corps sous toutes ses « coutures » à travers les métamorphoses et les mises en scène qu’en proposent non seulement les tatoueurs et les adeptes du body art mais des plasticiens plus généralistes comme des écrivains, poètes et philosophes. Roman et valaisan le magazine - démesuré par la taille (de plus de 500 pages) que les photos ou textes - est tout autant international et reconnu dans le monde entier. La créatrice conjugue la culture underground et main-street en passant au besoin par le fétichisme SM afin de montrer mais aussi de rêver l’esthétique du temps dont elle accepte tous les rhizomes. Plutôt que de rechercher des lignes de force elle propose l’éclatement et la pluralité des formes et des définitions. Le « sang bleu » n’est plus l’apanage d’une élite. Et « Novembre » propose de beaux étés La marginalité est revendiquée voir mise en exergue puisque il y a là la moyen de faire éclater les codes esthétiques mais aussi politiques et sociaux.

 

 

 

Rochat Bon.jpgBâtie selon une démarche régressive et déconstructive la pratique, expérimentale de la Lausannoise s’efforce de saisir avec précision les points extrêmes où il est encore possible d’inscrire des formes et des zones d’aberration. Jeanne-Salomé Rochat joue un rôle de "captrice" d’indéterminations jusqu’au point où l’image ne figure pas vraiment et où la narration se casse. Son travail ressemble à un miroir noir qui donne une vision particulière à nos psychés. Sous son aspect ludique le but d’un tel travail  est d’explorer l’espace des images quel qu’en soit la nature, leurs  systèmes de croisements et de brouillages jusqu’aux ratages, éclipses, déliés du lié, litanies somnambuliques, lacunes des lignes discursives d’imaginaires en fluctuation.  Jeanne-Salomé Rochat rend donc lisible divers types de ballets chromatiques qui sautent le pas du « pas ».

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

06/06/2014

Alice Pauli ou le bon génie de Jaume Plensa

 

 

 

Plensa 4.jpgOn naît galeriste autant qu’on le devient. Il faut en effet des prédispositions au métier de passeur mais aussi un travail qui aiguise la recherche et l’imaginaire afin d’anticiper les formes à venir et ne pas traîner à la queue de ce qui s’est fait avant. Alice Pauli a toujours su trouver croiser son imaginaire avec celui d’artistes qui cherchent moins l’inattendu qu’une harmonie inédite dans la force de matières et selon de nouvelles combinaisons parfois chimiques mais surtout mentales. La galeriste de Lausanne est devenue l’agitatrice de bien des œuvres avant que d’autres s’en servent. Giacometti hier, Jaume Plensa aujourd’hui qu’elle sut attirer dans sa galerie à un moment charnière de leur œuvre : elle sortait d’une modalité de tâtonnement pour rentrer dans une affirmation déjà conséquente et pleine.

 

 

 

Plensa 3.jpgSans la galeriste lausannoise Jaume Plensa ne serait jamais devenu le créateur qui se retrouve au firmament de l’art international. Né en 1955 à Barcelone Plensa y vit et travaille après de longs séjours dans divers lieux européens. Il s’est rendu célèbre dès le début des années 1980 par de grandes formes simples en fonte ainsi que d’immenses tableaux conçus par une hybridation de matières. Ce sont en particulier ces œuvres qu'Alice Pauli mit en exergue. Grâce à ses collectionneurs et clients Plensa se fit un nom. Il abandonna un temps la figuration, à laquelle il revint pour une œuvre monumentale dont ses sculptures de la place Masséna de Nice ou encore ce qu'il présente à Chicago cet été. Alice Pauli et ses collaborateurs ont compris avant les autres qu’une telle création  devenait la réponse à une exigence irrépressible. Plensa trouvait déjà lorsque la galeriste « l’inventa »  de nouvelles combinaisons que ses prédécesseurs cherchaient mais ne parvinrent pas à produire. Il reste le créateur d’une beauté aussi originale qu'engagée et qui constitue l'essence de son art de comme de celui que défend la galerie de Lausanne.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

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28/05/2014

Par delà les frontières : Beckett l’épistolier

 

 

 

Beckett.jpgSamuel Beckett, Lettres, 1929-1940,  Trad. de l'anglais (Irlande) par André Topia. Édition de George Craig, Martha Dow Fehsenfeld, Dan Gunn et Lois More Overbeck, Gallimard, 2014, 800 p., 55 €.

 

 

 

Dans une lettre capitale de 1937 écrite en allemand  Beckett exprime déjà son insatisfaction à l'égard de la langue : "Écrire en anglais conventionnel devient pour moi de plus en plus difficile. Cela me paraît même absurde. Ma propre langue m'apparaît comme un voile qu'il faut déchirer afin d'atteindre les choses (ou le néant) qui se trouvent au-delà».  Ce témoignage souligne l’importance d’une correspondance inédite en français. L’édition est remarquable. Trop peut être : le corpus critique étouffe (tout en l’éclairant) la faconde de lettres qui mériteraient de respirer plus librement comme elles furent écrites parfois sur des feuilles déchirées de carte ou au dos de carton d’invitation. La correspondance ponctue les différentes étapes d’une création qui va quitter le récit pour le théâtre et le théâtre pour la télévision et les textes brefs en un travail où l'un des paradoxes est de pouvoir pratiquement se passer de mots et d'images.

 

 

 

Toutefois dans ce premier tome le langage se poursuit allègrement. L’autodérision fleurit. L’intellect de Beckett brille sans qu’il ne cherche à prendre la moindre pose. Marquée par la présence du corps, ses douleurs mais aussi par les moqueries envers lui, la correspondance donne à voir un auteur  en rien sentimental mais attentif  mais qui demeurera en dépit de ses amitié  dans la solitude et ne sera jamais marié tout à fait. Les lettres à sa femme ne seront d’ailleurs jamais publiées en français ce conformément aux vœux de l’auteur. Il demanda à son exécuteur testamentaire (Jérôme Lindon) de publier « uniquement » les lettres ayant rapport à l’œuvre elle-même. L’édition anglaise reprise ici déroge à la règle. Mais pour le ravissement des lecteurs.

 

 

 

Beckett 2.jpgCes lettres ne constituent pas des appendices. Elles permettent de comprendre la problématique de l'oeuvre et son mouvement général.  Entre autre la décision d’écrire en français plus « pauvre » que l’anglais.  Dans  une lettre à Patrick Bowles - traducteur de la première mouture de Molloy Beckett écrit :"On ne dirait pas çà en anglais, on dirait autre chose"autre chose de bien différent dans la mesure où  l'anglais est plus "flatteur" que le français… Tout l’imaginaire paradoxal de Beckett est déjà éclair par ce premier tome. Il sera pour les amateurs de Beckett un corpus significatif puisque surgit déjà le rêve de la blancheur d'une page où plus rien ne s'inscrit, de la noirceur d'une image où plus rien ne se voit  mais qui paradoxalement foisonnent, débordent d'une lumière contenue, étrange et irrépressible.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret