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13/02/2014

Ping-pong palissade : Delphine Renault & Anne Minazio par Fabienne Radi.

 

 

 

Anne Minazio & Delphine Renault, « Featuring 1 » HIT, Genève, février 2014. Fabienne Radi “”Les épaulettes, le crème glacée et le stand de tir”

Radi.jpgSi peindre est difficile avant de peindre, voir est difficile après voir. Fabienne Radi le rappelle à propos de « Featuring N° 1 ».  Elle a, pour l’évoquer, les épaules suffisamment larges. Comme celles de « ses » égéries des années 80. Elle réanime ici leurs silhouettes armées de « l’équivalent d’une brique de lait sur chaque épaules » pour « extra-volumation  par prothèses de mousse » en réaction aux épaules affaissées des années antérieures. Rien n’a changé d’ailleurs puisque aujourd’hui un Jean-Paul Gaultier reste fidèle à cette érection qu’il rallonge même par des pointes en éperon.

 

 

Radi 2.jpgPar ce retour sur ces « déménageuses qui ne portaient pas d’armoire » mais  faisaient du trottoir où elles se promenaient un mur infranchissable Fabienne Radi propose une propédeutique à l’agencement entre l’atelier de Delphine Renault et les grands monochromes aux couleurs de milkshakes fraise et banane « séparés par un Aflter Eight pour un shooting d’un dessert Mövenpickk » d’Anne Minazio. Les deux artistes coupent la vision idéale, frontale et univoque du spectateur en lui cassant le cou puisque tout est créé afin de faire barrage à sa vue. L'envers est aussi mal visible que l’endroit dans une conduite forcée autour de la palissade (en prenant garde de ne pas se prendre les pieds dans les chevrons qui la soutiennent). Elle sert autant à l’accrochage qu’à un certain empêchement perceptif. Le point de vue classique se dissout. Reste son interrogation. A la fenêtre du tableau répond celle du lieu. Elle devient elle-même rétroviseur pertinent. La façon de regarder compte autant que ce qui se donne à voir. Cela permettra à tout spectateur de s’écrier « splendide ! » même s’il ne voit pas ou peu : preuve que rien n’arrête le regard même pas les freins de Renault.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

 

12/02/2014

Les forteresses mélancoliques d’Eva Ducret

 

Ducret.jpgNée à Zurich, Eva Ducret  reste attachée à ses  ancêtres italiens et leur culture des images. Elle aime les miroirs. Différents types de miroirs jusqu’à celui de l’eau. Elle aime aussi des coquillages et le calcaire « non pas le calcaire minéral, mais le calcaire animal, cette matière qui maintient le corps à l`intérieur comme l`ossature ou qui le protège comme les coquilles l`intérieur du coquillage » précise-t-elle. A partir de tels éléments elle propose différents types d’assemblages, d’alignements voir de mises en abîme face la centrifugeuse du temps. Au fugace l’artiste donne une éternité comme elle accorde au mouvement un suspens.  Elle monte par exemple des  «fossiles-sentinelles ». Ils deviennent des mobiles intemporels d'ossements immaculés. « Parade Potagère»,  «Abyssales Citrouilles-Sphères »,  «Nacres encoquillées », « Vulgus pneumaticus », « Verger-Joaillier » aux « Arbres-Parures » couverts de «  Fruits-Bijoux créent des délocalisations convaincantes du monde « objectif ».

 

Eva Ducret suggère magnifiquement la confusion, le trouble et également une crainte diffuse venue d'un savoir ancien transmis par les femmes du pays de ses ancêtres. La « fiction » plastique se raccorde aux mythes primitifs, à des récits éternels et païens qui dévoilent la face cachée de l'humanité. L’artiste contraint le spectateur  à entrer dans le sentir-vrai au moment où il perd pieds et repères. Elle reste une exploratrice des limites de l’image. Cette dernière n’est plus une surface, mais un caveau ouvert. Le monde et son absence ne font plus qu'un. Le travail rappelle la stratégie de «  l’Elevage de la Poussière » de Duchamp. A savoir la mise en exergue d’un processus de création. De la cueillette initiale  à l’accomplissement final l’œuvre devient un vaste jardin forteresse. Il s’anime d’un imaginaire capable de  laisser apparaître le  « nœud obscur » dont chacun ne cesse de se trouver porteur. Enfin Eva Ducret rend littéralement palpable l'accord du dehors et du dedans et le plaisir tranquille d’atteindre un univers d'harmonie. On pourrait presque glisser si on ne mesurait pas l'ironie qui se tapit derrière.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

11/02/2014

Force et ténuité des images : Ugo Rondinone

 

Rondi.jpg“The weak sex – How art pictures the new male”, février 2014,  Kunstmuseum, Berne, “Solo Exhibition », Nasher Sculpture Center, Février 2014,  Dallas (USA) , “The end of 20th century. The best is yet to come. A dialogue with the Marx Collection with works by Ugo Rondinone”, Mars 2014, Hamburger Bahnof, Berlin, “Ugo Rondinone, We run Through a Desert on Burninf Feet, All of Us Are Glowing Our Faces Look Twisted”, The Art Institute of Chicago, Chicago, avril 2014.

 

 

 

Les œuvres pluridisciplinaires d’Ugo Rondinone établissent des voies et des voix dans le silence de l’être et le bruit du monde. Leurs productions d’opacité comme de lumière auraient ravi Beckett. Comme lui l’artiste plonge dans l'opaque de nous-mêmes en ouvrant à une critique sociale implicite. Poussant plus loin la recherche entamée par les minimalistes comme les conceptuels le créateur joue de la ténuité de l’image tout en brouillant bien des pistes. Face à ses espaces visuels, sonores et linguistiques multiples le spectateur est livré à l’errance, l’indétermination de la narration et la fusion de bien des genres. Il ne peut plus s’appuyer sur rien et  devient  le rêveur insomniaque en se perdant au milieu de bains de lumières violentes ou crépusculaires. Il se réduit à un élément épars-perdu d'un troupeau disséminé.

 

 

 

Ugo Rondinone crée un mode presque « solipsiste » d'existence. Chaque œuvre est "border-line" dans divers jeux de simulacres. Et lorsque des voix sourdent elles ressemblent à nos voix qui se sont tues. Elles semblent nous dire : "dors" puisque notre attente est interminable et sans nom. Placées dans l'espace de manière à en faire éprouver le poids les œuvres constituent des gouttes allongées et pulsées là où paradoxalement tout semble sur le point de s'affaisser. La singularité des lignes et des découpages comme les mises en scène créent une succession d'imbrications et d'empiètements. Mais chaque pièce possède un  appel particulier en une suite d'extensions réglées et mesurées. Sous la tranquillité trompeuse et la nonchalance surgissent bien des innovations. Elles procurent une angoisse (moins brute que distanciée) et un vertige. Elles deviennent le détour, le piège, le "quark" du mythe de qui nous sommes tels que la mémoire des profondeurs peut nous le rappeler lorsqu’elle est concassée hier par Beckett, aujourd’hui par Rondinone.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret