De l'art helvétique contemporain

Inversant le jeu du retour, Phoebe Kiely crée par ses photographies à la fois une poésie et une philosophie du réel et de sa matière. La question du portrait ou du paysage passe au second plan pour constituer une nouvelle substance et consistance.

La contrainte sur ce chemin du retour échappe au passé. L’affirmation du caractère objectif de la représentation n’implique pas une référence « juste » au réel mais passe par juste un peu de réel dans un contexte qui n’a rien de kantien ou de transcendantal.

Les conditions matérielles des existences et des lieux permettent néanmoins de distinguer un Réel de l’Imaginaire parce que l’image ne cherche pas à tourner autour d’un passé mais le déplace dans une forme d’atemporalité que suggère ce qui existe de plus ténu dans le réel.

Jean-Paul Gavard-Perret

Phoebe Kiely, « They Were My Lansdcape », Mack, Londres, 30 E..

Jo Ann Callis s’amuse avec les images pour proposer ses fictions et ses complots pour surplomber des abîmes.. Elle revisite entre autres la saisie de la nudité en relevant deux « erreurs » majeures de l’art : considérer l’image comme une peau et en tant que culture idéale de la visibilité. Son décodage - dans la lignée de Bellmer et Molinier - voile et dévoile l’illusion et restituer le jeu des forces élémentaires de l’image au-delà même du vraisemblable parfois à travers des Betty Boop des années 50.

Il ne s’agit pas de créer une irréalité monumentale mais d’inventer un étrange espace cynique ici même, ici bas en éliminant le révolu qui encombre le présent. Le corps vit par exemple en se renversant enflée d’un souffle de recomposition là où la décomposition de la représentation nourrit l’essence du spectacle ou plutôt de sa transgression ironique. L'œuvre reste en ce sens un seul immense poème optique où en des parades la réalité se dissout.

Découvrant progressivement la puissance de l’image à 33 ans, la créatrice désormais septuagénaire trouve à travers elle d’autres manières de répondre à son utopie première, générique et à une angoisse du même type. Elle refuse de s’abandonner au vide toujours présent et au chaos même si pour Sam Francis «c’est une sorte de perfection. Il n’en est pas d’autre ». Pour Callis il faut à l'inverse un ordre. En débordement. Mais ordre tout de même. . De la sorte l’artiste américaine prolonge le destin de l’image, de la femme, du réel en un sens particulier là où des artifices plus ou moins "exotiques", établissent une poétique agissante.

Jean-Paul Gavard-Perret

Jo Ann Callis, « How they run », Over The Influence Gallery, Los Angeles, du 12 août au 5 septembre 2018.

Cayo Scheyven crée une archéologie du temps à travers le corps, le quotidien et leurs traces. De divers relevés et récoltes l’artiste recrée un univers d’indices où le jeu de presque rien fait le jeu d’une poétique de l’humain. L’artiste belge reconstruit l’idée du corps, de l’habillement ou du paysage avec humour et amour hors des sentiers battus. Ne se grisant pas forcément de lumière, la plasticienne cherche donc d'autres voies aux techniques de "prises de vue" afin d'offrir non une somptuosité mais une intensité neuve. A l'apparat du monde de l'ornementation succède l'interaction constante entre la surface du réel et sa profondeur afin de provoquer plus que de l'insolite : de l'impensé

La photographe isole toute une signalétique des êtres et du monde à travers le portrait comme par les éléments urbains qu’elle retient. Au signe original peuvent se mêler divers types de cassures et d’apparitions parasites ou imprévues. Pour capter le réel chaque approche devient une stratégie particulière. Mais toutes sont animées du souci d'atteindre sous la chair du réel une ossature temporelle. La représentation échappe ainsi au cliché. Elle permet un approfondissement des chemins de l'Imaginaire qui possède un caractère profondément physique.

Le jeu de la segmentation fait celui du compact, de l'homogénéisation essentialiste. Cayo Scheyven fait passer d’un univers surchargé d’images à celui d’une reconstruction où les impressions perceptives jouent avec l'émotion du "terrain". Chaque procédure devient un moyen d'errer au fond du réel dont il ne reste que des bornes et des empreintes. Ces "indices" deviennent le sujet dépouillé de l'œuvre. Non que le concret s'indétermine mais il se métamorphose à travers des zones, des seuils et des gradients. Une puissante vitalité soulève les images. Elles deviennent la capacité à ce qui fut d'abord vu à travers le prisme de la perception quotidienne de se porter vers un champ de réflexion sur notre condition d'êtres humains temporels.

Jean-Paul Gavard-Perret