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02/12/2013

La Thébaïde Suisse : prélude à l’histoire et à la traversée de l’art au XXème siècle

 

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Sophie Taeuber et oeuvre d'Ugo Rondinone

 

 

 

 

A qui veut connaître l’histoire des formes au XXème siècle la thébaïde suisse offre le miroir le plus intéressant. Dans un espace restreint  les trois grands axes selon lesquels il faudra écrire l’art de ce siècle  se trouvent concentrés : Le concept, L’abstraction, Le réalisme. Toute classification implique une certaine rigidité et ne pourra jamais embrasser l’art dans son mouvement. Néanmoins ces trois notions et les interstices qui peuvent s’insinuer entre elles constituent la matrice la plus efficiente afin d’englober les problématiques de cette époque et  leur accorder un sens.

 

Par ses artistes - de Giacometti à Armleder, du Corbusier à Godard, mais ce ne sont là que quelques noms -, par sa situation géographique à  l’intersection de l’Europe et de l’art du sud et du nord, de l’ouest et de l’est, par ses foyer de création (Bâle et Zurich, Genève et Lausanne, Lugano), par sa pluralité linguistique et culturelle et par sa position politique en tant que terre d’accueil plus que de territoire « neutre », la Suisse se trouve au centre de ces trois  notions. Elles définissent l’art du XXème siècle mieux que tout autre segmentation par genres, - contournés par certains artistes dans la ligne du concept art - écoles ou avant-gardes.

 

Les premiers restent  peu opérants même si quatre d’entre eux y prirent leur plein essor : installation-actionnisme-perormance, photographie, cinéma et vidéo-art. Par exemple le cinéma que l’on croit art réaliste par excellence tire autant du côté du concept (avec Jean-Luc Godard) que d’abstraction (du cinéma Dada à Zurich aux expérimentations actuelles de Mark Divo). Quant aux écoles et avant-garde s’en tenir à elles serait des plus improbables. L’époque a fait la part belle à celles qui se vendaient le mieux. Elle en a occulté bien d’autres plus « froides et distantes » : l’ « Ecole de Zurich » et le « Concret Art » cher à Max Bill par exemple furent scandaleusement passés sous silence. A l’inverse le Surréalisme reste surévaluée au détriment de Dada, la Metafisica, le Futurisme auxquels il a tout pris. 

 

La « neutralité » helvétique eut un autre mérite. La Suisse fut et reste terre d’accueil pour bons nombres d’artistes chassés ou aliénés par les diverses dictatures qui marquèrent le XXème siècle. Il y a quelques décennies encore les artistes chassés par le maoïsme  - Qiu Jie et sa magie du réalisme par exemple - trouvèrent refuge près du lac Léman. Cette neutralité permit en outre d’accorder à certains prurits de l’art engagé une dimension qui prend aujourd’hui et avec un peu de recul tout son (moindre) sens. On voit ce qui reste de l’actionnisme par exemple : il n’aura été qu’une déclinaison spectaculaire d’un énième coup à la Duchamp.

 

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Les artistes suisses auront illustré tous les aspects de l’art du XXème siècle. Mais ils auront ennobli celui qui demeurera  de plus vivant et puissant : un art qui dans le prolongement de l’expressionnisme et de Dada a porté haut le constructivisme et l’art abstrait. . Il s’agit là du véritable art « engagé » non dans le monde mais dans son propre « lieu » afin de mieux rentrer dans le premier et le subvertir par la transmutation des formes au moment. Et cela est d’autant plus évident au moment où dans la nouvelle décennie  les artistes semblent vouloir se confronter à nouveau à la peinture, au dessin, à la pierre, à la pellicule voire aux arts décoratifs dont les techniques étaient oubliée ou méprisées : textile, porcelaine, rocaille, etc. Ils tentent de réinventer leurs médiums plus que d’y retourner.  C’est ce qu’ont réalisé Giacometti, Meret Oppenheim, Max Bill, Balthus, Tingely, Sophie Taeuber-Arp en leur temps. Leurs promesses perdurent chez Mario Botta, Peter Wuettrich, Peter Knapp, Fuschli & Weiss, Juillerat, Catherine Bolle, Heidi Bucher (qui a relu le Land-art), Not Vital, Marcel Miracle, Renée Levi, Sergio Libis ou encore Jean Otth, Marie-José Burki, Ugo Rodinone ou  Mai Thu Perret.

 

Tous ces artistes ont alimenté ou alimentent  un appel à la liberté que toute société tente d’étouffer. Ils opposent à ce rouleau compresseur leur supplément d’art, d’âme et de formes. Contre la littéralité du réel et le simple art d’idée  ils cherchent d’autres voies pour réveiller le monde et en offrir une autre lecture. Par le contenu de leurs œuvres bien des artistes suisses ont donc associé le pouvoir historique du modernisme radical comme ceux plus près de nous celui d’un post modernisme du même type. Ils témoignent que l’art est moins une représentation du monde que le signe de créateurs assujettis à un régime d’expression contrainte. Plus que Thébaïde la Suisse reste à ce titre un laboratoire d’idées et de création. A la perversion cachée du monde répond celle de ses artistes capables de quitter le monde de la limite par et pour celui de la beauté qui déplace les lignes.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

(troisième photo : installation d'Ida Muller)

 

09/07/2013

Peter Knapp "lecteur" de Jorge Semprun

Peter Knapp, Jorge Semprún « Peter Knapp dessine « L’écriture ou la vie » de Jorge Semprun », coédition Gallimard/Éditions du Chêne - Hachette Livre, 96 pages, 29,00 €.

 

Knapp.jpgPeter Knapp le rappelle  « L’Histoire, qu’on le veuille ou non, est avec nous ». Celui dont le pays d’origine resta en bordure de la Seconde Guerre Mondiale a été profondément marqué par la lecture de le récit de Semprun « L’écriture ou la vie ». A Buchenwald l’auteur éprouva non seulement l’horreur mais aussi la sensation de vivre sa mort. Il crut un temps l’exorciser par l’écriture. Celle-ci ne sauve pas. Pour autant Peter Knapp  propose une tentative de « résurrection ».

Graphiste, directeur artistique, photographe celui qui est devenu le maître d’une créativité chic et inventive offre un livre très  rare et inattendu. Avec l’aquarelle et dessin il reste au plus près du propos de Semprun. Gardant l’esprit de la typographie comme il l’avait déjà fait pour son livre sur Van Gogh Knapp affirme : « dans le fond, je suis artiste, mais au cours des dernières années je suis devenu, emballeur, déballeur, livreur, transporteur, voyageur et touriste. Je n’ai quasiment rien fait de nouveau, si ce n’est une ou deux petites choses qui m’ont satisfait » . Indubitablement son dernier  livre est une de ces « petites choses ».

L’artiste rend l’écriture aussi visuelle que l'image elle-même. « Jorge Semprun a laissé des mots en allemand dans son texte français. J’ai essayé de les visualiser» précise l’artiste. Il réussit en franchissant le seuil de l’enfermement. Cela revient à reconsidérer ce qu’on croît connaître.  Le lieu repris par le créateur oblige à éprouver l’abandon et le courage de ceux qui allèrent au-dessus de leurs forces et de leur peur. Knapp oblige à accepter de passer une limite de l'ignorance. Il crée le saut vers ce qui échappera toujours aux limites de la compréhension et de la  raison.

Jean-Paul Gavard-Perret

 

28/06/2013

Mario Botta : le plus grand architecte de l'époque

 

«L’homme a conçu des milliers de chaises et continue à en dessiner... et nous nous asseyons pourtant de la même façon...» (Mario Botta).

 

Botta 4.jpgNatif du Tessin, Mario Botta travailla avec Le Corbusier et Louis I. Kahn. Il fut - entre autres - professeur invité auprès de l'Ecole Polytechnique fédérale à Lausanne en 1976 puis professeur titulaire des écoles polytechniques fédérales et membre de la Commission Fédérale Suisse des Beaux-arts mais reste avant tout l’architecte le plus inventif. Il conçoit son art comme fabrication du sens.

 

Le Musée d’art moderne à San Francisco, la rénovation du Théâtre de La Scala de Milan, l’Eglise Santo Volto de Turin, la médiathèque et le théâtre de Chambéry, le Centre Wellness Bergoase Arosa prouvent comment l’architecture tout en étant résolument contemporaine reste le reflet de l’histoire. Tout projet est pour Botta un miroir impitoyable : à la fois du pouvoir, de l’économie  mais aussi de l’éthique. D’autant que le créateur ne met pas l’architecture au service de son autocélébration. Silvio Denz a eu un mot célèbre pour montrer la modestie de l’Helvète lors de l’inauguration du chai du Château Faugère en Saint Emillion  dont il fut le concepteur :  «Jean Nouvel a demandé un gros budget pour dire Bonjour; Mario Botta a dit'Bonjour». Tout est là.

 

Botta 1.jpgLe plus souvent l’architecte se fonde sur le terroir, ses anciennes constructions ou leurs vestiges pour faire dialoguer ses projets avec ce qui existait : la médiathèque de Chambéry est l’exemple parfait d’une telle réussite. Partant de la force du paysage le créateur y développe de solides éléments géométriques qui permettent de souligner l’aspect organique du lieu. Le tout avec une élégance rare. Intéressé par l’art sacré l’architecte se plait à dire  «Si je le pouvais, je ferais seulement des églises et, de temps en temps, des chais». On retrouve là son écho aux deux besoins de l’être : l’esprit et la chair. Mario Botta en devient l’architecte.

 

Mais pour lui «construire un élément fini est ouvrir un chapitre sur l’infini». Néanmoins il reste modeste : «La géométrie n’est rien que le contrôle de la nature ». Cette modestie n’empêche pas la responsabilité. Au contraire : «Si un bâtiment ne supporte pas le mauvais goût de l’ameublement, c’est de la faute de l’architecte» ajoute-t-il. Il s’érige en faux contre les architectes qui se moquent de l’usage auquel toute construction doit répondre. Botta ne se cache pas derrière des alibis « sculpturaux » ou spectaculaires dont la seule ambition est l’utopie conceptuelle et non la réalisation. Ils ont trop longtemps empesé les recherches d’un Rem Koolhass par exemple. Pour Botta construire une maison ce n’est pas construire un musée. D’autant que la vie est toujours plus forte que l’architecture : si une construction ne répond pas à sa fonction elle est vouée à la disparition. C’est pourquoi, en fonction des régions, Botta passe de la brique à la pierre et n’est pas de ceux qui sacrifie à la mode des matières (le verre, l’acier par exemple).

 

Botta 3.jpgPar ailleurs le créateur préfère ancrer ses bâtiments plutôt que de les alléger :  «si je veux faire quelque chose de léger, je fais un avion», dit-il. C’est pourquoi ses bâtiments - même s’ils s’insèrent parfaitement dans un lieu - le transforme. Si bien que chaque bâtiment dessiné par Botta devient le lieu du lieu.  Et ce non par souci de faire décor mais parce qu’il ne cesse d’interpréter les besoins et les valeurs d’une société tout en imposant les formes susceptibles de résister au nivellement de la mondialisation de l’architecture comme du monde. Le créateur refuse de se soumettre à un repli utilitariste. « Si l’espace est donné par l’histoire et non par l’architecture, je cherche néanmoins des significations qui vont au-delà de la demande fonctionnelle». Pour lui Paris n’est pas Berlin et ses œuvres qu’il définit comme  «précises et anonymes» restent toujours une poésie du lieu qu’elles investissent.

 

Jean-Paul Gavard-Perret