De l'art helvétique contemporain

Aurélie Pétrel, « Littéralement et dans tous les sens », CPG, Genève, du 16 décembre 2017 au 11février 2017.

Pour Aurélie Pétrel la photographie n’est « que » le point de départ d’une démarche plus ample. Chaque épreuve devient l’occasion de diverses stratégies, propositions et structures animées au sein de « performances ». Existe une suite de partitions faites pour créer une interrogation entre l’image, son contexte et les conditions de sa création. Le spectateur n’est plus face à l’image mais dedans au sein de White Cubes qui transforment les chambres noires.

Le sens de l’image déborde par la confrontation les points de vue afin de développer des pistes au sein de l’interstice entre les medias en des liens qui prennent forme et sens au fil du travail. A la croisée de la photographie et d’autres approches, Aurélie Pétrel architecture l’espace-temps et développe en un certain nombre de facettes qui peuvent évoluer en permanence en différents types d’immersion.

La tentation du récit est évincée au profit d'une réflexion sur la notion d'image même si elle garde la capacité d’introduire du récit dans les installations, de l’évènement dans un évènement. L'artiste nous donne à voir le travail de sape salutaire pour la vraie liberté. Celle qui fonde et qui brise. Celle aussi qui – révélée - tend à occuper tout l’espace loin des stances qui habillent généralement le regard. D’où la présence d’une impudeur très particulière, résolument critique et parfois ironique.

Jean-Paul Gavard-Perret

Christelle Jornod est une jeune photographe ex élève de L’HEAD-Genève dans l’option Information/fiction. En toute logique eu égard à son apprentissage, sa manière de « dévisager » le territoire l’entraîne à sortir de l’imagerie documentaire pour la déplacer vers un lieu de fiction et de construction. L’artiste le résume ainsi « la photographie de paysage, c’est une trace, une sauvegarde, mais aussi une esthétique. ». D’où sa manière de recomposer la montagne suisse selon une subjectivité où le noir et blanc propose des vertiges visuels ou ce que Lacan nomma "une béance oculaire".

Le figé est à la fois cadré ou recadré dans une marche forcée afin de pousser le paysage vers l’abstraction au moment où le terrain - soumis au temps, à l’érosion, à la fiction de l'éclaireuse   devient un champ d’expérimentation.  En quête de lieux vides, sauvages et de pierriers la photographe suit divers types de traces naturelles visibles ou non. Evitant la lumière trop « blanche » du soleil en son zénith elle saisit le paysage en des moments où l’ombre métamorphose les concrétions et les concaténations. N’abandonne jamais un travail sur la netteté, l’artiste par son noir et blanc comme en ses bleus nocturnes crée une permanence de l’abstraction et figuration autour du paysage.

La force de la nature et celle des contrastes restent primordiaux. Les lieux semblent retournés, déterritorialisés. L’épaisseur prétendue et apparente du réel est soustraite au simple jeu de miroirs. En surgit une musique d’un inframonde. Et si Christelle Jornod n’avait pas été artiste plasticienne elle aurait sans doute créé de la musique – « le plus abstrait des arts » selon Schopenhauer. Pour elle le réel comme l’image apparaissent comme des voiles qu’il faut déchirer afin d’atteindre les histoires, les choses, ou le chaos qui se trouvent derrière.

Jean-Paul Gavard-Perret

Christelle Jornod, « Littéralement et dans tous les sens » Centre de la Photographie, Genève, Décembre 2017.

Curtis Santiago, Galerie Analix Forever, Genève du 14 décembre 2017 au 14 février 2018.

Barbara Polla présente la première exposition en Europe de Curtis Santiago. Né à Trinidad, l’artiste canadien développe  des recherches multimédias étendues jusqu’à la musique et la performance. Il est reconnu pour ses « boîtiers » et ses peintures pop art et art brut. Ses peintures trahissent l’influence de Basquiat et des artistes autodidactes. Comme pour eux l’art est pour lui un moyen de montrer le monde tel qu'il est mais le caricaturant, le grossissant ou en le réduisant. Ses images hybrides sont nourries par le mouvement des « cultural studies » et sa mise en exergue de toutes les minorités.

A travers les dioramas des séries « infinity » Santiago scénarise le monde sur une échelle la plus réduite possible. Ces représentations sont positionnées dans des boîtiers de poudre, de bijoux ou de cigarettes et autres boîtes à musique. Ce choix n’a rien d’anodin et propose une médiation particulière d’un genre volontairement « pauvre ». Néanmoins les scènes les plus larges ou violentes trouvent là un caractère « précieux » même si l’artiste ne fait pas dans l’orfèvrerie. A mi chemin entre la miniature et une forme de recup-art il n'est pas question dans cette modélisation de transformer les images en objet de porcelaine.

"Porter" sur soi de tels colis fichés devient possible sans pour autant les réduire à  des colifichets.  Les "sculptures" peuvent être considérées comme pense-bêtes où surgissent des détails « réalistes ». Les ensembles baignent dans une atmosphère glauque  ou violente. Une parodie grotesque, macabre ou sublimée touche au pouvoir mystérieux que l’art possède de réinventer le monde et de souligner ses tares ou ses luttes. Le spectateur demeure fasciné par un tel changement d'échelle : la réduction devient un spectacle quasiment intérieur. Surgit en conséquence une nouvelle version de l'esthétique la plus profonde, cachée et "sacrée". A savoir l'"intima spelunca in intimo sacrario". On n'est rarement allé aussi loin, plus profond en  de tels  « sanctuaires». Ils sont ici plus humains que religieux.

Jean-Paul Gavard-Perret