gruyeresuisse

28/04/2017

Tito Honegger : l'ai-je bien desendue ?


Honegger.jpgTito Honegger, « D'après peintures », Galerie Anton Meier, Genève , du 11 mai au 1er juillet 2017.

Les descentes de croix traversent toute l'histoire de la peinture occidentale. Néanmoins dans un occident chrétien en crise et après Nietzsche et sa figure de "l'Antéchrist" a surgit la "défiguration" de l'image christique. Dali en fut un chef de file. Tito Honegger propose une autre transgression et mutation. Dans des exercices d'admiration envers les coloristes que sont Rubens ou Rosso Fiorentino, l’artiste annihile leurs chromatismes par des monotypes essentiellement en noir et blanc. Ses descentes de croix ne défendent en rien des valeurs religieuses. Elles travaillent le corps qu’elle réduit et transpose. Les monotypes glissent vers une nouvelle forme d’abstraction qui remplace la charpente des peintures originales. La créatrice propose des repentirs cruels, lyriques et ironiques sur des papiers de soie qui deviennent des sortes de peaux fragiles et ténues.

Honegger2.jpgLe "montrage" qui faisait du corps vénéré un organisme littéralement incroyable est déplacé, décalé à la façon d'un rébus, d'un rêve ou d'une farce. Tito Honegger accorde une nouvelle hiérarchie dans un arsenal hétéroclite. Le corps christique s’absente au moment où tous les symboles figuratifs sont remplacés par des suites d'indices qui ne sont plus les objets de la Passion mais de sa caricature. Le regard zigzague d'un détail à l'autre selon des abstractions « incorporatives ». La descente de croix fait passer par le jusant le gisant comme un paquet qu'on passe sous silence. A sa manière l’artiste genevoise lave le corps à grande eau, fait la toilette du mort avec une éponge gorgée d'eau noire. Elle l’efface. Peut-être pour retrouver le néant que jamais nous n’aurions dû quitter et qui se cache derrière

Jean-Paul Gavard-Perret

25/04/2017

Balthus à Genève

Balthus.jpgBalthus, Rétrospective, Gagosian, Genève, 25 mai - 29 juillet 2017.

Entre 1936 et 1939, Balthus réalisa les célèbres séries de portraits de Thérèse Blanchard, sa jeune voisine à Paris. Elle y posait souvent seule ou avec son chat. En Suisse il substitua l'austère décor parisien par des intérieurs colorés dans lesquels des nymphettes s'adonnaient à leur rêverie. Il devint un maitre par l'art de saisir toute l'ambivalence contenue dans l’être et plus particulièrement chez la femme encore adolescente ou enfant.

Balthus 2.pngJusqu’à sa mort Balthus poursuivit cette « chronique » picturale à cheval sur deux mondes. Son art aiguise les esprits les plus sagaces mais semble à la portée du premier imbécile venu. Il a trouvé les images pour suggérer un sentiment exogène en « imageant » des vies qui sans se confondre avec l'existence intime de l'artiste crée un songe - une mythologie. Elle pose la question de la peinture et son enracinement et semble mettre en communion avec le modèle, non pas banalement et au hasard, mais dans une feinte d’indifférente. La ressemblance semble familière et intime mais ce travail plastiquement riche reste ténébreux

Balthus 3.jpgBalthus s’est même amusé à transformer le fier étalon mâle en chat pour casser la psychologie picturale. Cette métamorphose accentue la fiction narrative des toiles. Le chat démultiplie le masculin dans un fantastique jeu de miroir. Il introduit un rire alimenté par la transgression et une imagerie de contes enfantins. La nudité féminine offerte à ceux qui ne pense qu’à « chat » ne s'oppose pas à leur volonté affichée mais la double d'un "malin" plaisir. Celles qui se laissent regarder provoquent à la fois le trouble et le rire selon des rackets figuratifs loin de l’érotisme de façade.

Jean-Paul Gavard-Perret

19/04/2017

Samuel Rousseau l’abstracteur


Rousseau.pngSamuel Rousseau, Art Bärtschi & Cie, Genève Exposition du 23 mars au 12 mai 2017

Samuel Rousseau est un artiste "transformeur" et constructiviste à sa manière. Le banal dans l’œuvre est hanté de nouvelles possibilités. Tout semble animé d’un profond mouvement intérieur jusqu'à rappeler parfois le cinéma abstrait. Rousseau déglingue les codes qui régissent les habitudes perceptives et les réflexes cognitifs. Il n’hésite pas à porter au niveau d’œuvres d’art des objets sans importance. C’est aussi une manière d’ironiser la technologie afin de ne pas la fétichiser. Partagé entre un dedans et un dehors, le regard est soumis à un vertige au moment où l’image gagne de nouvelles dimensions. Elle échafaude une esthétique et une dynamique nouvelles tant le créateur déborde d’invention et d’énergie. Son approche est souvent minimaliste au sein de mises en scène épurées à partir d'éléments simples et morphogénétiques.

Rousseau 3.pngS’y mêlent librement les signes d'une mémoire imaginaire et poétique là où nature et technologie sont reliés. Les éléments premiers font émerger un nouveau territoire par perte de repères et une forme d’ivresse. L’image vidéo - souvent dépourvue de son - devient une matière à modeler que l’artiste se plait à inscrire loin des solutions déjà explorées. Samuel Rousseau utilise une des grandes différences entre la vidéo et le cinéma. Sans subjectivité apparente la première crée une œuvre qui n’a rien à voir avec la vie du créateur comme si on avait affaire à une autre personnalité. Rousseau imagine un monde où les seules formes deviennent de la poésie. Toutefois ses travaux sont l'expression de lui-même. A l’image par exemple des puces lumineuses qui tournent sur un écran.

Rousseau 2.pngElles donnent l'impression qu'on est à l'intérieur, plutôt qu'à l'extérieur d’une étrange narration. Le narratif prend quasiment une origine biologique. L’artiste cherche à s’en approcher. Cependant cette visée n’est pas systématique. Au travers ses constellations jaillit un ressenti poétique en des montages d'incertitude. Elles ramènent étrangement au cycle immuable de la nature, du yin et du yang qui renaît ici grâce au virtuel.

Jean-Paul Gavard-Perret