gruyeresuisse

29/06/2013

Vahé Godel entre deux infinis

 

Vahé Godel, "Quelque chose quelqu'un" précédé de "Que dire de ce corps", Editions Empreintes, Chavannes-près-Renens, 15 chf..

 Godel.jpg

 

Depuis près de cinquante ans le Genevois Vahé Godel écrit des proses poétiques d’un registre particulier. Critique envers notre époque il n’est en rien un simple vociférateur. Sa poétique se développe aux grés des ruptures. Elles la sortent  de la linéarité et proposent des trouées, des ellipses. Nourri d'une double culture - occidentale par son père et son pays, arménienne et orientale par sa mère - le poète s’est libéré de ce qui est superfétatoire.

 

« Quelque chose quelqu’un » mène vers un sens en devenir. Il n’est jamais donné pour fini tant le chaos prend au fil du temps diverses formes.  Dans chaque texte l’auteur court avant de trébucher. Et au besoin il lave ses meurtrissures avec l'aboiement des chiens dans l'air bourdonnant où se mêlent désordre et émerveillement. Un éclair noir reconduit l'être à l'intérieur de lui-même. L'espace y augmente, les volets y claquent. Une voix monte et rythme le cours du temps dans le dénuement.

 

Qu'importe si la  nuit du fantôme avance à petits pas. La lumière du monde est à l'écheveau du souvenir. En contrebas la combe régresse dans l'incertain. Ici et là  demeurent des pointillés d'herbes dans une ombre perméable Et quand se fixe au plafond les reflets de l'âme son « corps » diaphane danse sur le feu comme une plume blanche.

.

Face aux poètes narcissiques qui se plaisent en leur miroir, Godel préfère toujours  le trou d'une serrure qui tournée vers l’extérieur permet de voir l’intimité des arbres. Leur gel parfois vient talquer le néant. Ce presque rien sur les branches demeure capital. Face à l'âpreté de l’hiver des oiseaux s’y réjouissent. Ils se réchauffent à la braise des poèmes en prose. Constitués dans l’incertain ils deviennent peu à peu un une sagesse, l’approche d’une sérénité la plus profonde qui soit. Celle qui n’exclut pas la douleur.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

19/06/2013

En quête d'absolu : Walter Grab au Mamco

WalterGrab.jpg 

Waler Grab, « L’Eternel Détour, séquence été 2013 », Mamco Genève

 

Walter Grab est né à Affoltern en 1927. Il est  mort à Zurich en 1989. Autodidacte et est très vite entré dans le secret de la « vraie » œuvre d’art là où émane un certain amour du faire, avec la main, avec le corps, avec la tête, il a appris qu'un artiste est un être d'aventure. C'esr un voyageur qui ne sait rien de lui, mais qui, tous les jours, continue de partir, sans savoir d'où il vient et où il va. Par son travail, le peintre progressa dans la compréhension de la vie et du monde invisible qu’il s’agit de déplier au besoin à l’aide de peintures de textes, de formules mathématiques et de schémas qui évoquent les mises en images ésotériques d’un fantastique très particulier..

 

Trop souvent  Walter Grab reste lié au Surréalisme. Sans doute parce qu’il a intégré participé en 1950  à la fondation du groupe « Phoenix » qui rassemblait des surréalistes suisses, autrichiens et allemands  (Kurt Seligmann, Otto Tschumi, Ernst Fuchs et même Arnulf Rainer). L’influence n’est pourtant pas aussi précise que cet adoubement au mouvement pourrait le faire croire. Son œuvre doit autant au Suprématisme et à des peintres tels que Mondrian et Kandinsky. Certes des figures plus ou moins morphologiques rappellent peuvent rappeler parfois Picabia et un esprit plus dadaïste que surréaliste.  Néanmoins le Zurichois est toujours resté indépendant. Peu à peu il est resté à l’écart de tout et non sans ascèse. Pour lui et afin d’aller  loin dans l'art, il fallait du travail et de l'humilité et vraiment quitter la terre. Son travail a exigé des moments de don et d'absence complète du monde. .

 

WalterGrab 2.jpgC’est tout à l’honneur du Mamco de sortir de l’indifférence un tel peintre. Celui qui avait représenté la Suisse à la Biennale de São Paulo en 1965 avec Meret Oppenheim, malgré des expositions régulières dans sa galerie zurichoise, tomba dans l'incompréhension, l'indifférence et parfois  le rejet.  Succès ou non pour  Walter Grab la création artistique resta une manière de vivre l'esprit sur terre et il a poursuivi  implacablement son travail sur la quintessence avec une  méfiance envers les excès de couleurs (sauf ses bleus fétiches).

 

Son art ne se veut pas « engagé » au sens restrictif du terme. Ce qu’il avait à « dire » il le réalisa dans son atelier et avec son travail. Fidèle au chemin austère de l'abstraction géométrique, privilégiant les lignes, les angles droits, les surfaces monochromatiques ses toiles sont souvent fondées sur des rythmes d'horizontales et de verticales. Chargées de spiritualité son Evangile elles sont des modèles de rigueur.  Et ce jusqu’à une des ses œuvres majeures  et dernières  « Waldsymphonie » (Symphonie sylvestre - 1985) sorte de commentaire et transfiguration des différentes versions des « forêts » de Max Ernst. Plus qu’hommage au peintre surréaliste il s’agissait pour son cadet d'atteindre une peinture pure et vraie sans se rapprocher de la figuration.  D’où  le recours à une nudité abstractive proche de la vérité que toute autre forme d'expression.

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

14:16 Publié dans Genève, Images | Lien permanent | Commentaires (1)

15/06/2013

John Armleder : le dessin et ses éclairages

Armleder.jpgPlus que tout autre Christian Bernard (directeur du Mamco) a mis en évidence le coeur de la démarche de John Armleder « L’intention est chez lui seconde. Elle ne précède pas nécessairement le résultat ». L’essentiel est là : l'art s’invente en avançant. Mais pas n’importe comment : le temps est essentiel.  Bernard l’a souligné : l’artiste helvétique est "un athlète de l’attente féconde". Il sait accepter la contingence que cette attente provoque parfois. Les circonstances, les accidents d’un parcours au long cours jouent permettent mieux que par une stratégie concertée de saisir les formes dans ce que Didi-Huberman nomme leur « état naissant ». Et ce en particulier grâce au dessin.

La fameuse déconstruction  de John Armleder passe par ce genre. Il redonne vie aux images antérieures à son œuvre en les confrontant à leurs limites. Le tout est fondé sur  une réflexion critique. Le rêve de modifier le monde fait du créateur genevois ce qu'il fut à l'origine : un iconoclaste un presque dadaïste. Il revendique néanmoins une visée qu’il nomme « romantique ». Ici ou là on la retrouve dans ses desssins même si - en digne descendant de Fluxus dont il fut un des initiateurs - il ne le réduit jamais à un formalisme.

Chaque dessin s’érige contre le monde soumis par la mondialisation à une standardisation d’un prêt à voir comme il existe un prêt-à-porter. Pour autant Armleder conserve un esprit ludique. Le dessin lui permet d’inventer une " corporéité " disparate (du moins en apparence) par laquelle la matière travaille la réversion figurale et la logique habituelle du repli imaginaire. Armleder  transforme quasiment la surface en une véritable morphogénèse.  La surface  reste, certes, une  frontière  mais elle ouvre à une nouvelle condensation de l'image sans renvoyer à une quelconque gloire céleste de celle-ci.  Aux effets de représentations évènementielles et de nimbes, font place des effets d'ombres et de lumières.

Armleder 2.jpgNi guenille, ni brouillon, ni vanité les  dessins "disent" simplement  le désir chez l’artiste d'exister plus que de durer. Ils engagent des baux non avec des terreurs parfaites mais avec des printemps supplémentaires. Armleder sait ffaiblir les formes dites fixes et tout langage univoque. Pour autant ces travaux restent des œuvres à part entières et deviennent moins des projets de tableaux que des tableaux a posteriori. Chacun d’eux pose au suivant une nouvelle question.

Dans la diversité de l'ensemble chaque croquis pourrait être le fait d’un autre artiste comme le prouve sa « bible » « About Nothing » de quelques 600 oeuvres. Néanmoins chacune d'elle invente un minimaliste particulier créateur de formes en mouvement. Et ce non sans humour car s’il y a dans ces œuvres du suprématisme il existe aussi et par exemple  l’empreinte d’une semelle surmontée d’un arbuste. D’autres peuvent évoquer la création libre et quasi inconsciente dans l’esprit surréaliste.  Demeurent aussi des « signes » rémanent : à la croix de Malevitch fait écho la goutte en cœur d’Armleder. Manière pour l’artiste d’y introduire sa propre « ombre »…

Reste toujours un suspens dans la noirceur ou la couleur du trait. Le dessin n’est donc plus le linéament ou la masse du monde, il ne cerne pas les choses, il ne le pèse pas. Il devient ce que Beckett espérait pour l’art  « moins la chose que la choséité ». Le monde ne s’y boucle plus sur lui-même il vibre.

 

Jean-Paul Gavard-Perret