gruyeresuisse

30/10/2013

Kira Weber, poésie, surfaces, profondeurs

 

 

kiraweber.jpgL’œuvre plastique de Kira Weber creuse le cœur des choses par effet de surface en apparence réaliste. L’imaginaire reste néanmoins l’espace privilégié de cette exploration au carrefour du monde extérieur (réalité) et du  monde profond (réel). Convaincue qu’il y a non seulement une face cachée  des choses mais que cette face cachée est nécessaire à leur être, l’artiste se situe à la charnière entre deux mondes comme elle-même voyage entre sa Suisse natale et la Crête. Elle répond à ce que Max Milner évoque  dans "L'envers du visible" :“ Que voit-on de l'ombre ? Dans quelle mesure l'ombre affecte-t-elle la visibilité du monde et son intelligibilité ". La créatrice explore donc les envers d'une réalité a priori évidente mais dont la face lumineuse ne contient pas tous les secrets.

 

Surgissent de l’œuvre la tendresse et l’intimité la plus pudique qui soit. L’atmosphère créée accorde une ressemblance à ce que nous ignorons encore. Il ne faut donc  pas chercher ailleurs dans l’ailleurs mais ici-même. Armée d’une technique rare et d’un sentiment extatique de la vie l’artiste  ne pousse pas le réel vers le ciel mais le rapproche d’une hantise dont elle tente de découvrir un certains nombre de plis cachés dans le recueillement et afin de rendre un peu moins incohérente la condition d’exister.

 

Loin de tout lyrisme Kira Weber se « contente » d’aller vers ce qui, se re-créant, ne se pense pas encore. Sans clinquant son œuvre impose son charme ou plutôt sa sidération. Elle représente autant l’inverse du luxe de pacotille que de la réserve de l’avarice. Elle avance dépouillée, libre, chargé du seul désir de vie mais garde plus de connexions avec les parfums du monde qu’avec des respirations lascives.

 

Kira Weber.jpgKira Weber touche juste.  Elle traverse les narrations induite dans ses natures mortes en victoire sur le temps. Son œuvre est autant réaliste que paradoxalement fantastique. L’artiste y jouxte le silence, le  fait reculer  non dans la proximité du lointain mais dans le lointain de la proximité. Dégageant ce qui est de l’ordre du spectacle et de l’évènement, elle touche au mystère du réel.  Ne cherchant ni à distraire ni à instruire, elle inquiète la vision en sondant l’obscure clarté du monde dans l’attente d’un paradis sur terre mais en toute lucidité.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 Kira Weber, Galerie Patrick Cramer, Genève, du 9 novembre au 21 décembre 2013.

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29/10/2013

Claude Hermann le magicien

Herman.jpgClaude Herman, « Du temps suspendu », Art et Public, Cabinet Ph, Genève, à partir du 6  décembre 2013.

 

L’art ayant perdu ses pouvoirs de représentation - remplacé en cela par des médias plus performants - il est tombé (grâce ou à cause de Duchamp) dans le jeu. On lui demande d’amuser pour séduire. Et s’il y a une crise de l’art c’est bien là où il faut creuser. Hermann dont l’œuvre est d’une perfection rare est aux antipodes de cette propension même. Certes son approche reste ludique. Mais  le jeu permet de renouveler la représentation pour la transférer dans la re-présentation.  La séduction ne méduse plus : la perfection formelle fascine par le sens qu’elle induit.

Ecoutons à ce propos l’artiste : « Autrefois, je quittais la cuisine pour prendre le vélo de mon père et aller acheter cinquante centimes de mou pour le chat.  Il était emballé dans du papier journal. Je posais cela sur la table et reprenais mes dessins interrompus. Aujourd’hui, il n’y a plus de mou et le chat est au fond du jardin. Je continue de dessiner sur la table de la cuisine. Je ne sais rien de l’Art, c’est peut-être une aide pour conjurer mes angoisses ou peut-être à mon âge m’éviter de découvrir tout ce que je n’ai jamais vécu. On viendra peut-être un jour me déranger pour que j’aille à nouveau acheter du mou pour le chat, je raconte des histoires, sitôt racontées sitôt oubliées…".  Loin de tonalités mélancoliques l’œuvre émerge donc  en positif et non en négatif de la disparition.

Hermann développe aussi loin que possible les paradoxes du déplacement lié à toute empreinte. Il en affine la trace afin de lui donner une existence sculpturale. Se perçoit une profondeur rarement atteinte par effet de finesse comme si l’œuvre « sculptait » l’absence dans le matériau de sa cendre volatile. Les corps y sont aspirés dans le souffle du temps dont l’artiste ranime la puissance fantomatique. L’image devient la revenante crépusculaire des hantises. C’est magique.

Jean-Paul Gavard-Perret

 

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25/10/2013

« L’Ombre de l’Art » du plaisir qui tue à celui qu’on assassine

 

OMbre 2.jpg« L’Ombre de l’Art »  , Le Commun /Bâtiment d’ art contemporain, novembre 2013, Rue des Bains, Genève, Projetphoenix.ch

 

Rien de mieux pour présenter une exposition modeste mais en tout point exceptionnelle  du Commun que la fameuse phrase de Beckett «  ce que j’ai fait est peu mais je me serais contenté de moins ». « L’ombre de l’art » surprend en effet par sa simplicité, sa radicalité et sa rigueur. On n’est loin de l’ostentation chère aux muséographies contemporaines. Le « spatialisme » est remplacé par le spartiate. Mais on ne s’en plaindra pas. Au contraire. Il ne faut surtout pas se laisser rebuter par les apparences et saluer d’abord le commissaire d’une telle approche : Richard le Quellec. L’exposition pédagogique et documentaire  dresse un  panorama de projets dont l’échec est le centre. Ils sont regroupés selon 8 thématiques  dont 7 sont négatives (ce sont d’ailleurs les plus intéressantes) : « non réalisés, inachevés, ratés, censurés, détruits, copiés, glorifiés, dénigrés ».

 

Pour chaque thème : un texte de base présente  le sujet. Il le survole et renvoie pour plus de détails à différents ouvrages numérotés et mis à disposition sur les tables d’école. Chaque thématique est définie par une couleur. Elle est aussi utilisée pour baliser les documents, afin de faciliter la navigation du visiteur.  A titre d’exemple pour la rubrique « ratés » Houellebecq  est appelé à la rescousse :  « …ce qu’il faisait j’aurais été incapable de le faire». L’ensemble des documents et références montre comment l’échec revêt une signification particulière pour celui qui s’investit corps et âme dans une œuvre.  Certains artistes  - comme le voit ici - ont d’ailleurs astucieusement fait du ratage l’objet même de leur œuvre : Julien Prévieux avec Lettres de non-motivation, Robert Filliou avec  La Fête permanente.

 

 

OMBRE 3.jpgAu moment où tant d’exposition plonge dans la facilité, Le Quellec a donc  réfléchi  sur le concept d’ « œuvre-exposition » pour explorer ceux du ratage ou de l’échec à savoir les plus subjectifs qui soient. Pour le prouver il a œuvré moins dans la quantité que dans la qualité. Ses choix forcément subjectifs  restent propédeutiques dans un lieu  monacal qui incite au repli et à la réflexion. A ce titre l’exposition ne reçoit pas  tout l’écho qu’elle mérite. Mais La Quellec ne s’en plaindra pas  «  le monde de l’art a toujours aimé ses ratés » dit-il. Néanmoins l’exiguïté du lieu et des moyens ne doit pas empêcher de dresser les lauriers qui lui reviennent. Le commissaire mène dans une forêt de signes et d’images où les repères se brouillent. S’y découvrent des trajectoires insolites que les tumultes de l’histoire ont menées sur les chemins de la destruction, de la censure. L’ensemble prouve que la plus simple image n’est jamais simple. Pour l’atteindre et comme l’écrit Baudelaire dans « La mort des Artistes »  (repris dans un texte liminaire d’un chapitre de l’exposition)

«  Il faut user son corps en d’étranges travaux»

Dans un plaisir qui tue parfois. Ou parfois qu’on assassine.

 

Jean-Paul Gavard-Perret