De l'art helvétique contemporain

 

 

Nul ne peut dire si Nicolas Party en dessinant  au pastel une femme saisit le diable ou l’ange. Exhibant par exemples des jambes drupes - fleurs à l’envers du vase d’une jupe - son œil les pénètre. Si bien que chez ses modèles des lèvres se mordent, des dents brillent en un sourire. C’est pourquoi l’artiste retarde sans cesse l’instant des encore, encore. Dans les spasmes des prises, les cuisses et leur fourche, les seins, les épaules, les aisselles, les yeux étincellent. Les corps longilignes arrondissent poitrines ou croupes. Les femmes n’écoutent que leurs mains au besoin. Leurs vingt doigts s’y amarrent. Le corps remplit tout l’espace : grandissent les fantasmes dans le clair et le foncé, la brune ou la blonde. L’image qui dénude tente d’en percevoir un  mystère. Pour autant le voyeur ne fait pas un avec la femme même s’ils deviennent un scoubidou de deux fils serrés que l’électricité secoue. Surgit de fait une histoire décalée. Le regard regagne l’ombre d’un sexe duveté  tombé du soleil dès qu’un modèle se cambre.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

Nicolas Party, Pastel et nu, Centre Culturel Suisse de Paris, du 16 janvier au 15 février 2015.

 

 

 

 

Jacqueline Devreux présente de la femme une image différente de ce que les hommes attendent comme de ce qu’en proposent les photographes mâles. Humilité, simplicité dans la sophistication permettent de montrer le côté double la féminité dégagée de toute mollesse, condescendance  ou provocation de mise en scène. Toutes les prises sont près du corps sans forcément le mettre à nu. La transgression passe par cette « théâtralité de la théâtralité » afin de faire surgir une autre vérité souvent pare effet et séries. Vagabonde magnétique Jacqueline Devreux suggère le mystère à ras de réel. Avec subtilité elle organise des variations au sein d’une odyssée reviviscente où le corps prend parfois des aspects hallucinatoires mais sans débordement intempestif. L'image reste froide comme l’hiver sur l'Hudson River. Si bien que même le brûlant du fantasme ne peut faire considérer ces photographies comme de la "visibilité cutanée". Le corps jouxte soudain d'autres abîmes subtilement évoqués. Preuve que la photographie n'est pas une façon de faire autrement, mais un moyen de construire autre chose.

 

Par morceaux surgit un chant doux et mélodieux. Photographier c'est le reprendre tout en le renvoyant au silence d’où il sort comme à l’extase et à une certaine inquiétude. Et ce loin de toute narration et en dehors de tout élément diégétique. Chaque photographie fait naître des sensations et idées complexes le plus souvent à travers une femme en solo et l’entretien infini que la photographe tient avec elle.

Il existe là peut-être la peur et la fascination du corps de l'autre, la peur et l'envie de son propre corps, de ce qu'il cache de ce qu'il montre à l'autre et qu'on ne veut pas montrer, la dichotomie entre intérieur et extérieur, la question de la maîtrise de ce corps que l'on voit en surface, mais aussi au plus profond de la chair.  Preuve que l’art n’est pas qu’une histoire de peau et de surface.

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 

 

Musée des Beaux-Arts de Chambéry, 7 novembre 2014, 9 février 2015.

 

 

 

Visages glacés, cachés, tournés vers l’intérieur. Variations entre alerte et énigme. Sous la jeunesse des jupes-chalet les joyaux d'iris restent lointains à tout désir.  Tout semble aller vers l'ombre en cherchant l'issue. Reste une galerie de fillettes égarées, perdues, à la recherche d’une identité parmi les friches des murs granulés à la tyrolienne. En conséquence, de l’œuvre de Françoise Pétrovitch se dégage une nostalgie étrange. Celle d’une  plaie béante ou d’un retour vers ce qui n’est pas forcément les « verts paradis » chantés par Baudelaire. Dans le froissement modulé d’une jupe d’innocence  comme dans des reliques de jeux disparus les fillettes créées par l’artiste sont des tulipes dont la tête tombe. Alors comment témoigner de ce qui est  maintenant ? De ce qui leur est advenu ? L’artiste ne le montre pas encore. Demeure le temps des interrogations. Comme si l’enfance faisait déjà corps ravagé et glorieux, travaillé par la recherche de son identité. L’artiste rappelle combien en chacun de nous il y a quelqu'un qui ne fait rien que se défaire dans l'adorable chiendent des traces tandis que tout voudrait se mette à bouger comme un chat qui tourne en rond dans sa maison quêtant une caresse.

 

 

 

Rien n'oblige si c’est ce mouvement. L'aveu échappe. Nous sommes dans ce passé  que les peintures tentent de combler. Le corps reste  tel qu’il a toujours été : au bord du langage, du gouffre, de l'ombre et dans l’impuissance de se penser. Il y va d'une d’une dérobade discrètement fascinante au moment de la plus grande retenue. L'innommé invisible fait surface. Reste l’absence de la présence comme essence même de la matière à être. Faille et présence. L’artiste rapproche du temps où tout semblait encore endormi mais lourd. Plutôt que de se tourner vers le couchant Françoise Pétrovitch ramène à l’aube, à l’extrémité de l’ombre de la nuit et ses ombres portées.  L’aurore n’est pas sans douleur : celle de ne pas être, de n’avoir pas encore été. Mais rien n’en sera dit. Tout demeure esquissé en un « théâtre » où le silence est représenté. L’enfant tente d’allumer un feu dans sa tête en sachant la cendre qu’il finira par laisser.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret