De l'art helvétique contemporain

Delphine Renault, Degré Zéro, Art En île, Hall Nord, 7 septembre au 1er octobre 2016. Vernissage le 6 à 18 heures.

Delphine Renault n’a cesse d’interroger la manière dont le paysage se construit dans ses représentations. Elle explore aussi la manière dont l’être habite son espace et le transforme physiquement et symboliquement. Deux monolithes évoquent par leur forme et leur matière (le granite) les deux Pierres du Niton de la Rade genevoise. La plus petite a d’ailleurs été utilisée comme point initial (donc zéro) de la première représentation exacte du territoire suisse. Celui de la carte Dufour élaborée de 1845 à 1864. Cette pierre est donc à l’origine de la carte, elle est son point d’origine et a permis de déterminer les altitudes des sommets qui constituent le paysage suisse.

L’artiste crée un rapport entre le site et le lieu de l’exposition en introduisant une transposition de signes et de métaphores pour construire les émergences et étendues d’un lieu. Dans ce jeu de construction sous l’apparente simplicité minimaliste s’instruit un système de combinaisons formelles et conceptuelles propres à de solliciter l’imaginaire et la réflexion des visiteurs. Le degré zéro devient l’interface où un système de coordonnées abstraites de la carte prend pied dans le concret. Il représente le point où une image mentale se compose afin de dresser une matérialité du paysage. Pour parler comme Houellebecq la carte devient le territoire. Le métrage et le paramétrage permet une première préhension de l’espace, le point d’ouverture qui engendre les lieux au nom d’une norme.

L’art devient un système de repère face à l’abyme et les hauteurs du monde. Il prouve que le réel et « son contraire » (sa mentalisation cartographique) sont « vrais » tous les deux et que le second n’est pas « le contrepoison » (comme écrivait Beckett dans « Mal vu, Mal dit ») du premier . Celui-ci devient contrôlable formellement. L’œuvre de Delphine Renault en suggère les convulsions de manière minimaliste. Elle montre comment le chaos dans lequel le réel est plongé devient lisible par des anamorphoses de l'Imaginaire et peut exister sous forme stable. L’artiste prouve que forme et chaos restent distincts. Il suffit de trouver une forme qui exprime un ordre et ouvre à un "Comment c'est". L’art devient la création qui remplace les lignes fondamentales sans chercher à en faire une image allégorique : "honni soit qui symbole y voit" aurait pu ajouter Beckett.

Jean-Paul Gavard-Perret

Clyde Funtona affirme la nécessité de donner au voyeurisme le coup de pied de l’âne. La photographe incarne un humour d’autant plus fort qu’il est discret et permet l’affirmation du féminin de l’être. Exit l’exhibition de l’intimité, l’artiste préfère jouer de la coquetterie et de la fantaisie en prenant par dévers tout autant les fantasmes de pureté que de la crasse de certains regards. Le gag visuel prend des tours et des détours pour redonner sa couleur au destin féminin.

Le burlesque implicite devient l’affirmation d’une insidieuse posture militante. Il s’agit de faire retrouver une paix souveraine à la femme. Elle n’est plus prise pas n’importe qui et pour n’importe quoi tout en feignant le contraire dans ses incitations au crime. L’humour de l’artiste est un remède à la communication à la mode. Et c’est à peine si un certain mépris envers l’homme se lit - mais comme hors champ. Clyde Funtona ne cesse d’affirmer une liberté souveraine où se shunte la prétendue élégance honorable faite pour l’envoûtement des foules. Le seul viol revendiqué par la photographe est celui de la pensée.

Jean-Paul Gavard-Perret

Angelika Markul, « Excavations of the future », Galerie Laurence Bernard, Genève, du 15 septembre au 1er novembre 2016.

Angelika Markul fait jaillir des forces telluriques et les transformations opérées par les êtres. Dessins, vidéos, sculptures forment des paysages étranges entre recueillements et bouleversements. Peuvent se discerner des approches écologistes mais plus encore des méditations sur la nature et ses métamorphoses là où le spectre de la catastrophe (humaine ou naturelle) n’est jamais loin. Tout est affaire de narration là où la mémoire de l’humain se mixte avec celle du monde. « Mon rapport à la mémoire vient de mon obsession pour la mort et de mon histoire. » dit la créatrice pour expliquer la puissance de ses œuvres où semblent se discerner jusqu’aux premiers temps de l’humanité.

L’artiste se rend dans les lieux du monde où la catastrophe a sévi (Fukushima, Tchernobyl, Bagdad, etc.) afin de chercher un sens aux actions humaines. Les dessins offrent un cérémonial inquiétant mais aussi de réflexion. Les dessins cultivent une forme de complexité pour suggérer l’état du monde dont les assises sont remises en cause et s’ouvrent à diverses interprétations. Laissant une liberté au regard du public, l’artiste développe un univers unique. S’y croisent dans une atmosphère onirique diverses influences. L’artiste y explore un monde étrange où individus, objets, formes non identifiables évoluent dans des scènes abyssales. L’univers est tourmenté mais plein de poésie profondément dérangeante. Les dessins livrent des scènes inquiétantes où se mêlent douceur et violence. Cela témoigne de la part de l’artiste d’une absence d’inhibition, de peur, de préjugés et demande à ceux qui regardent le même abandon.

Jean-Paul Gavard-Perret