De l'art helvétique contemporain

Les textiles et les peintures de Natacha Donzé n’excluent jamais la peur mais recèlent une profonde beauté. Elles provoquent parfois même, en leurs fragments, une fascination. L’humain s’y « découvre » d’une autre façon. Son corps n’est plus un blason. Mais s’en dégage une puissance étonnante par un clin d’œil à une forme de dérivation de l’art textile le plus récent. Une puissance poétique est créée par les formes humaines et animales au sein de danses qui donnent aux situations des présences étranges. Le désir prend au sein de « ruines » d’étranges proportions, séquence par séquence, morceau par morceau.

Au cœur de l’hybridation se mettent en place de nouvelles données corporelles et une paradoxale injonction vitale qui sont suggérés en ces éléments du corps. Celui-ci demeure l’ « objet » (ou le sujet) obsessionnel par excellence que traite l’artiste. Confrontés à de telles œuvres - et c’est une de leurs valeurs majeures - les regardeurs sont plongés au sein d’une communauté étrange. Ne subsiste aucune sollicitude sécurisante pas plus qu’une tranquillité apaisante. Néanmoins restent des invitations au voyage emplis de sensualité par la force des couleurs et le feston des surfaces.

En ce sens - tout en pesant de son poids de « chair » par les effets de matière - l’œuvre demeure toujours céleste C’est d’ailleurs là toute l’ambiguïté et la force d’une telle résurrection. L’artiste sait déplacer nos points de vue en inventant de nouvelles incarnations. Cela s’appelle vanité humanité réduite à ses fragments et aussi échappées d’âme. Le corps en ses parcelles devient le lieu qui inquiète la pensée. Le premier situe, enveloppe, touche, déploie la seconde.

Jean-Paul Gavard-Perret

Natacha Donzé, Exposition personnelle, Quark, Genève, 18 janvier - 3 mars 2018.

Anelies Strba, Galerie Anton Meier, Genève, jusqu’au 3 février 2018.

A partir de la photographie, plutôt que la saisie d’une « seule » image, Anelies Strba crée une forme de décalage et de floutage : elle donne une nouvelle identité de l’image. Celle-ci ne parle que par son propre langage selon une déconstruction formelle où la forme prend son impact par la couleur. Partant de substrats littéraires la créatrice offre une réflexion sur l’art lui-même. Tout est donc conçu selon des architectures improbables, des géométries colorées.

Le travail permet une sublimation ou plutôt un dépassement du réel, des modèles, de leur scénarisation. Le travail cherche moins une transposition du monde qu’une exploration du poétique visuel. Surgit en conséquence une théâtralité des formes et une chorégraphie abstraite. L’objectif cherché n’est plus l’identification d’un sujet. Et si certains éléments peuvent être identifiables cela reste secondaire.

Anelies Strba cherche moins une « réalité » seconde qu’un processus de recomposition. Points de fuite et pans se démultiplient en de nouvelles présences afin d’atteindre une sorte d’effacement ou de déperdition de la photographie originale. L’œuvre devient une sorte d’architecture utopique et improbable par laquelle l’artiste métamorphose les illusions de réalité et met à jour cette frontière où naît l’œuvre d’art dans un renouvellement de son langage.

Jean-Paul Gavard-Perret

Laure Autin a été « victime » d’une expérience particulière « J'ai eu une crise de migraine alors que j’étais couchée dans mon lit un samedi matin. (…) Alors la paralysie m'a saisie comme une vague. Je ne pouvais pas bouger. Mon esprit était complètement actif, mais mon corps ne répondait plus. J'étais verrouillée. C'était la chose la plus terrifiante qui me soit jamais arrivée ».

Et la créatrice d’ajouter : « Dans le cadre d’une tentative d'exorcisme de ma terreur, j'ai décidé d'explorer à travers la photographie l'angoisse que j'avais ressentie au cours de cet épisode ». D’où cette série « Locked in » où l’artiste a pu explorer sa fascination par des juxtapositions ou superpositions contrastées prouvant que les oppositions ne sont pas incompatibles. La créatrice met donc en exergue les diverses faces de la psyché.

Plutôt que  des tirages numériques trop nets, Laure Autin a choisi un tirage manuel selon la technique qui donne au cliché une douceur propre à suggérer un jeu complexe entre l’obscur et la lumière, le corps et l’âme, leurs émotions. « Locked in » rejoint l’interrogation fondamentale de la créatrice. Les clichés offrent le moi dissous, le "Je" fêlée et sa mise en abîme. Ils rendent présents des profondeurs cachées et un outre-voir qui trouve là une poussée particulière.

Jean-Paul Gavard-Perret