De l'art helvétique contemporain

Maya Zeller, « Station Show », Lausanne, 29 février - 17 avril 2016.

Le travail de Maya Zeller donne le beau rôle à l’intelligence comme à l’émotion. L’artiste invente une légèreté qui détache les apparences. Existe un retour à une forme de simplicité où en filigrane se retrouve un sensibilité en fragrances. Tout est subtil dans les jeux que l’artiste propose au sein de ses projets "poétiques". La créatrice repose la question récurrente : l’idée que l’on se fait du monde est-elle la bonne ? Maya Zeller y répond sobrement mais de manière complexe en mêlant figuration et une forme d’ « abstraction » ou de stylisation.

L’art n’est plus un objet : c’est la vie. Il la pénètre mais avec douceur et couleurs. Le paysage semble se modifier de l’intérieur, comme si l’artiste le piratait dans un geste salvateur pour qu’on sache le voir. Elle rend à l’art ce qui lui appartient : de la légèreté apparente. Mais s’y grattent les couches de faux-semblants. Sous couverture d’imbroglio le travail de la créatrice de Vevey est un symbole de la simplicité retrouvée afin de réinventer la réalité à la façon d’un magicienne. Elle dévoile ses secrets.

Jean-Paul Gavard-Perret

Elisabeth Llach, « Totchic », Centre d'art contemporain, Yverdon, du 29 mars au 29 mai 2016.

« Totchic » (« Chic à en mourir ! ») montre combien Elisabeth Llach pratique une théâtralité impertinente de la féminité par le dessin, la performance, la peinture et l’installation. A partir de magazines féminins ou de l’histoire de l’art elle trouve matières et formes adéquates afin de subvertir l’attention classique. Le simple glissement d’un média à un autre crée un imaginaire énigmatique, inquiétant ou drôle. Entre verve et obsessions se produit la révélation parfaitement intériorisée d’une féminité qui trouble moins la vertu que les principes de macération pervertie. Eve dans cette paradoxale Genèse se substitue insidieusement à Dieu. Il ne s’agit pas forcément de faire l’apologie des plaisirs charnels ni de valoriser des capacités mystiques mais de changer les donnes.

Comme l’année dernière avec son exposition « A-t-elle le droit de montrer ses extrémités ? », l’artiste fait de son travail une « police » ou une politique de caractère bien trempé. Aux femmes auxquelles on demande quasiment de s’excuser d’être - sinon de tenir leur rôle d’objet - l’artiste défend une forme de féminisme actif, provocateur et drôle. La contrebandière des images joue des stéréotypes de manière orgiaque mais distanciée et fait feu du sarcasme. L’art est donc venimeux. Les œuvres sont des délices empoisonnés. A la « souffrance » des femmes fait place par la bande la « contemplation » ambiguë de ceux qui les vénèrent pour les réduire à des ustensiles sexuels.

Jean-Paul Gavard-Perret

Privilégiant les prises frontales, Sandrine Zondervan, au sein des jeux entre la lumière et l’obscur, fait jaillir une clarté parfois mystérieuse. Cherchant à relier ce qui a priori ne peut l’être la photographe se veut une sorte de sentinelle des émois féminins. Les ailes du désir passent parfois sous les fourches caudines du battement d’un rideau. Mais rien de matérialiste : l’extase est de l’ordre de la caresse et de l’aporie. La photographe plonge dans un bout du monde par les obscures clartés qu’elle dispense. Les femmes bougent ou demeurent fixées : oiseaux blessés ? Ames perdues ? Nul ne sait.

Néanmoins un rêve demeure : celui où les vivantes ne seraient plus isolées. Reste un appel d’air. Mais l’artiste sait qu’il faut d’abord réveiller d’un profond sommeil les anges du réel. C’est pourquoi elle photographie en rapproché leurs silhouettes. Chacune offre une vision cérémonielle. La réalité la plus triviale n’est jamais donnée telle quelle. Sandrine Zondervan la multiplie dans des espaces et des temps asymétriques si bien que la photographie garde sa force de mystère impressionniste.

Jean-Paul Gavard-Perret