De l'art helvétique contemporain

Dorothy Iannone, « The Story Of Bern (Or) Showing Colors + The (Ta)Rot Pack + A Cookbook”, du 3 juin au 10 juilllet 2016, Centre Culturel Suisse, Paris.

Depuis le début des années 1960, Dorothy Iannone développe une œuvre subversive, féministe et politiquement incorrecte. Peintures, dessins, collages, sculptures, vidéos et livres d’artistes mêlent mythologie et autobiographie dans un langage coloré et hybride. Le CCS présente  les 70 dessins de « The Story Of Bern (1970), récit illustré sur la censure subie par l’artiste lors de l’exposition collective « Freunde » à la Kunsthalle de Berne, et le facsimilé de The (Ta)Rot Pack (1968-69 / 2016), un jeu de tarots qui évoque sa relation avec l’artiste zurichois Dieter Roth.

Pour Dorothy Iannone la différence entre la pornographie et l'art est simple : l’'art se contemple indéfiniment qu’il suffit de jeter qu'un coup d'œil à la pornographie avant de la laisser. L’artiste retrace la tension entre éros et thanatos, le rêve et la réalité. La pulsion de désir. S’y révèle l’intensité physiologique traitée avec drôlerie. Sans attitude morale, ni jugement la créatrice ouvre la perception pour mettre en porte à faux notre assurance et notre suffisance pour rendre la situation de voyeur inconfortable. Comme toujours lorsque de nouveaux regards sont sollicités, un univers riche se fait jour. Saisie par un sentiment d’implication totale l’artiste est elle-même prisonnière consentante de ses images pour mettre en exergue les corps. Ses œuvres sont des farces mais surtout des actes de résistance.

Jean-Paul Gavard-Perret

Les dessins de Naomie Del Vecchio se rapprochent du réel sans la moindre clémence pour la « bienséance ». Pour autant la Genevoise ne cultive pas l’outrance. Mais corps et paysages se soulèvent ou se creusent au seuil d’un surgissement ou d’un rappel à la jouissance. Il n’est pas jusqu’aux traits embryonnaires de questionner parfois le ciel ou le destin des arbres. S’y inscrit un certain passage des dieux dans la matière du monde. Le but n’est pas l’assouvissement mais la persévérance de la faim. L’art joue pudiquement le jeu du désir pour en disposer autrement.

La créatrice nous fait complice de sa psyché mais toujours avec un écart, une distance. L’ironie n’est jamais absente là où le dessin renvoie à la chair du réel comme préalable à sa transformation. Le temps est délimité par un face à face avec la page où l’artiste le couche. Preuve que le dessin - plus que tout autre échange - unit. Son horizontalité est l’épreuve de recommencements insaisissables. Son pouvoir n’est pas d’illusion mais d’étreinte. Les volumes font ce que les caresses font mal. Précipités ils dérobent mais bien mieux que les mains de l’homme.

Jean-Paul Gavard-Perret

Sarah Hildebrand, « Murmures », photographies & nouvelles, 44 pages, Mai 2016, « L'éloge du vide », Mali Genest, Sarah Hildebrand & Silvia Niederhäusern, 29 mai -26 juin 2016, Ferme de la Chapelle, Grand-Lancy

Sarah Hildebrand permet d’atteindre ou de pénétrer ce qu’il en est du paysage et de son "creux". La simplicité préside à la sophistication. Mais l'inverse est vrai aussi. Par moments provocatrice (toujours subtilement et de manière aporique) l'artiste sacralise le paysage tout en lui conférant un caractère quasiment nul et non avenu. Et ce en un désir de l’approcher au plus près avec humour implicite. Sarah Hildebrand aime en effet faire œuvre de discrétion et d’impertinence.

Jouant sur des formes complexes, elle propose des suites de variations avec supplément d'image d'un côté, supplément de réalité de l'autre : il s'agit d'une appropriation où divers thématiques se croisent et où le plein fait le jeu du vide en se renversant l’un dans l’autre.

Les marques du débordement, du franchissement du "cadre" (parfois dédoublé dans l'image par celui d'une fenêtre) prouvent que les photographies de la plasticienne ne sont pas là pour décliner du réel mais le décaler. De telles approches reviennent à décrire et surtout dé-écrire non seulement "du" paysage mais un regard, une pensée. Une filature, à partir d'un point, permet de filer le monde, de soulever ses images, leurs couleurs. L'objectif est d'introduire non le mais du motif dans un langage photographique qui ne cesse de le creuser. L'artiste reste sur le fil du rasoir entre la littéralité la plus forte possible et le nécessaire transfert réflexif qu'installe son approche littéraire et plastique.

Jean-Paul Gavard-Perret