De l'art helvétique contemporain

 

 

 

Raquel Dias, « Intercontinental lover », « En suspens, horizontal », Galerie Circuit, Lausanne, 2014.

 

 

 

Raquel Dias - depuis son diplôme de l’ECAL il y a 20 ans - poursuit un travail de parfaite iconoclaste dans ses performances, interventions, photographies et assemblages (verre et ragondin par exemple !). Dès 2005 avec ses «Bricoporn »  (découpages d’images pornographiques) le thème central se trouvait décalé. Au regardeur, s’il le souhaitait, de reconstruire les images initiales même si l’objectif da le créatrice était tout autre. Le corps se transforme en paysages « décontextualisés » ou en natures mortes. L’artiste ne cesse de renverser les images où le voyeur est désorienté. Surgit  un travail sur la relation à l’autre et au monde selon divers types de modifications et de transfigurations. L’œil du regardeur bute sur ce que proposent les images comme si le point de vue n'était plus situable. Tout  est pourtant scrupuleusement mis en scène, composé au plein sens du mot, du choix de la couleur, aux formes, aux angles de saisie comme aux matières.

 

L’œuvre semble souvent fluide et légère. Mais c’est une manière de tromper ou plutôt de décevoir le voyeur et de rappeler loin de toute visée humaniste que l’être n’est en soi en rien vénérable. Il reste un monstre hybride de corps et d’esprit ; de chair, de pulsion et de raison ; toujours entre deux sièges, toujours finalement au service du pire. Entre autres de la jouissance des instincts. Si bien que de fait la meilleure expression pour qualifier ici l’image est celle de diablesse. Mais une diablesse « clean», belle, drôle parfois et donc des plus perfides. Néanmoins il existe un réel plaisir dans la saisie du réel dans ses frontières. Emane aussi de l’œuvre une manière subtile  de rappeler que nous sommes incapables d’absolu ; nous sommes toujours rattrapé par la bête : ragondin ou autres. C’est pourquoi plutôt que d’inventer des anges Raquel Diaz caresse une douce « obscénité ». Elle permet de rejeter  la superficialité, d’oser l’intimité sans ostentation mais sans fausse pudeur.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

 Aloïs Godinat, Galerie Francesca Pia, Zurich

 

 

 

La Lausannoise Aloïs Godinat crée des œuvres aussi ludiques que radicales proche d’une forme particulière de conceptualisme. L’élégance y est au service d’une subversion rafraîchissante dans une esthétique post-minimalisme  et post-« appropriationniste ». L’artiste invente une poétique de l’écart, du déplacement. Interrogeant l’image loin des substrats théoriques pesants elle transforme objets usuels ou obsolètes en vue d’usages improbables.  Mêlant la forme et le geste Aloïs Godinat fait reposer parfois ses propositions sur un angle musical. Dans ce travail l’objet (de l’affiche au grattoir ou au pot de fleurs) est re-contextualisé mais selon un écart. Il devient  en conséquence ce que l’artiste nomme une « abstraction implicite ».

 

 

 

Du bric-à-brac des pièces rapportées le geste de la Lausannoise multiplie les ouvertures de boîtes afin que la nuit en sorte et ne reste plus collée à leur utilitarisme. Reste à fouiller dans ces  boîtes de Pandore et de Pandora, ces boîtes à rire, à sourire, à ouvre boîte, à lettres d'amour, à lettres de rupture, à lettres de pâtes en alphabet, à cadrans, à promesse, à problèmes, à soleil, à tempête, à floraison de nerfs, à ronciers de l’amour, à tra-la-la, à combustion intime, à herbe à chats, à toutous pas snobs, à faire, à ne pas faire, à enfer, à idéal, à laine fraîche, à beaux lambeaux de brume, à cimes et à pilules à mères. C'est à ce moment là qu'Aloïs Godinat revient pour  demander au voyeur quelle mouche l'a piqué ? Elle sait - elle - que  dans ses boîtes à secrets celui-ci n'existe pas. Godot n'en sort donc  jamais. Mais c'est ce qui en fait tout leur charme.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

 

Ann Loubert (avec Clémentine Margheriti) « Trais communs », Halle Saint Pierre, Paris du 14 octobre au 2 novembre 2014. Catalogue par David Collin, L’Atelier Contemporain, Strasbourg.

 

 

 

 

 

Ann Loubert cultive un certain vide dans l’image : pas question pour elle de remplir ou de couvrir le support. Loin de là.. Ses rêveries se contentent de la caresse, de « l’à-peine » et de l’esquisse. Traits épars, couleurs aquatiques, figures en ébauche ressemblent à des aspirations délicates, timides. L’artiste crée des paysages ou des portraits atmosphériques. Néanmoins le dessin s’affranchit des entraves d’un minimalisme aérien par une dilatation. Elle donne à celui-là un maximalisme puisque chaque œuvre recompose d’incessants échos et des chevauchements de fragments. Le déphasage de la composition tronquée crée une métamorphose de ce qui passe habituellement par l’opulence graphique, la colonisation du support.

 

 

 

L’artiste franco-suisse ouvre à une complexité de rythmes qui parfois se superposent mais afin d’imposer le calme propice à la méditation contemplative. L’image disparaît en partie mais pour autant les êtres qui apparaissent n’ont rien de spectres : ils restent des humains que l’artiste apprécie et retient. De l’aquarelle ou le crayon naissent des présences autant délicates que fortes. L’artiste les capte au fil des jours et des rencontres dans le but de créer une poétique très précise. Elle décale la « réalité » du visage selon une liberté magique. Elle repose sur le décalage et non sur le centrage. Le regard du spectateur est happé par l’écart, la courbure ou encore la tache de couleur qui flotte et désaxe l’image. Pour autant ces « démises » en scène ne provoquent pas de malaises : l’éloge de la vie est là au moment où le dessin prend un sens visuel nouveau par glissements et partiels effacements.

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret