De l'art helvétique contemporain

Stesuko Nagasawa, « céramique et papier », Galerie Marianne Brand, Carouge, du 3 au 24 mars 2018.

Les dessins et céramiques de Stesuko Nagasawaka tiennent le regardeur sous leur emprise par une force première à la fois tellurique et ailée. Le géométrisme minimalisme est trompeur. il crée une architecture de l’émotion la plus profonde. Chaque « objet » dépouillé de tout aspect décoratif ou ostentatoire devient un écrin à hantise. Il remplit sa fonction de lieu et présence poétiques par la « sur-vivance » qui émerge de la matière. Entre latence et puissance, une véritable présence physique tient par ce qui est moins un négatif des formes que leur condition première. Elle est façonnée par le ciel nocturne des mains de l’artiste : l’horizontalité se transforme en verticalité et des rondeurs deviennent le ventre de la terre.

Stesuko Nagasawaka ramène la céramique à un point d’origine pour y fabriquer une nouvelle histoire des formes. La sculpture se perçoit non seulement par ses contours mais par une qualité physique dont la tridimensionnalité se rapproche de la perfection de l’épure. Cette simplicité possède une portée infinie et d’infini. L’artiste qui enseigne la céramique à l’HEEA et qui se bat pour qu’un tel enseignement perdure trouve dans sa double éducation, japonaise et européenne, un moyen de relier l’art traditionnel aux expérimentations les plus contemporaines.

Surgit dès lors de la terre modelée une sculpture qui refuse de séduire par l’anecdote visuelle pour mieux signifier. Mais une fascination opère. Stesuko Nagasawa crée des pièces qui se gravent dans l’esprit. Il trouve en elles un secret et un mystère là où réside la seule condition indispensable pour que s’éprouve une vérité première. Elle illustre combien la céramique demeure un porte empreinte premier. Elle est aussi le médium essentiel qui recèle autant d’âme que de «corps ».

Jean-Paul Gavard-Perret

L’œuvre de Nan Goldin est une sorte de journal intimiste et libre où les femmes sont montrées sans fard dans leur quotidien parfois très rude (euphémisme) parfois bien plus relâchée. L’ensemble est aussi critique, caustique que sourdement nostalgique. S’y retrouve le coup l’œil spontané et incisif de la photographe.

Détachées du discours féministe pur et dur les œuvres se rapprochent parfois d’une forme particulière de fantastique quotidien voire d’un certain grotesque volontaire et programmé. Les failles du monde occidental sont mises en évidences. La femme n’est plus montrée comme sujet à fantasmes ou sinon de manière ironisée.

L’artiste se plaît à plagier les codes qui font de la femme l’objet des hommes et de leurs désirs prédateurs,
Ce qui tenait au départ chez Nan Goldin à une guerre des sexes prend au fil du temps plus de flexibilité et de subtilité. La sidération change d’objectif. Mais la stratégie des narrations demeure toujours la même : elle éloigne de tout artifice (ou à l’inverse les grossit démesurément) et fait émerger un ailleurs du quotidien qui n’est en rien une promesse de Paradis terrestre du même tel que les mâles le « cultivent » en leur jardinage secret.

La femme n’est plus seulement une image, la photographie non plus. Le corps présenté n’est plus celui qu’un voyeur peut pénétrer. Au mieux il rebondit dessus. Bref l'activité mimétique de la photographie capote pour un autre plaisir.

Jean-Paul Gavard-Perret

Art Bärtschi & Cie, Genève, à partir du 22 mars 2018.

 Avec « Gravity Is Stronger Here » Phyllis B. Dooney crée le visage documentaire et poétique d’une Amérique hors de ses gonds où le lesbianisme se revendique comme tel. De même que la pression de la pauvreté et de la violence. C’est dans Greenville (Mississipi) et par le portait d’une famille (les Brown)que la créatrice a filé son enquête. Le lieu est caractéristique des « boom towns », ces villes-champignons fruits de la nouvelle donne d’un monde où « la gravité est plus forte ». L’amour homosexuel comme celui plus évangélique de Dieu, l’espoir et le désespoir cohabitent au coeur des vies en dérive.

Phyllis B. Dooney mêle de près ou de loin sa propre histoire à celles qu’elles dévoilent et où les êtres expriment visuellement ce à quoi ils sont confrontés ou croient. Il suffit de la fumée d’une cigarette, de paysages incertains pour faire ressentir l’humanité. La tendresse tente de s’y faire une place. Le temps semble redevenir humain dans cette narration au milieu des souffrances et au moment où la créatrice casse l’incapacité à raconter de ceux qu’elle montre tels qu’ils sont.

Les photographies paraissent parfois les formes vides de l’espérance mais s’y enracinent toutefois la capacité de poursuivre. L’image permet non seulement de la représenter mais l’étaye, riche de l’expérience de l’artiste qui la montre, la clarifie au côté de Jardine Libaire. Elle prouve que le changement des « paysages » ne modifie pas forcément celui des conduites. Le temps semble identique avant et après un tel récit et ses aperçus des bribes d’êtres et de choses qui passent devant la nymphe punk. Elle accorde une beauté à ce qui l’emporte dans ce voyage au cœur de ce qu’on nomme l’Amérique Profonde du Delta. L’œuvre ne se contente pas d’esquisser un sentiment de perte et d’attente d’amour et d’estime de soi, elle les fait perdurer en une sorte d’appel.

Jean-Paul Gavard-Perret

Phyllis B. Dooney et Jardine Libaire, « Gravity is stronger here », Kehrer Verlag, 49,90 E., 2018.