gruyeresuisse

30/11/2016

L’acmé de la collection UBS



UBS.jpg« UBS Art Collection: To Art its Freedom » , Hatje Cantz, Berlin. Le livre est présenté actuellement à l’Art Basel à Miami Beach.

Avec 30000 œuvres d’art contemporain la collection UBS est une des plus importantes au monde. « UBS Art Collection: To Art its Freedom » la présente en 200 œuvres où apparaissent l’esprit de cette collection et les mouvements qui l’ont générée à travers le temps et les différents continents. Commencé au début des années 60 l’ensemble donne une vision impressionniste de toute la période contemporaine. Ce travail ne cesse de grandir et d’évoluer. La publication s’accompagne d’un historique de la collection par Mary Rozell ainsi qu’un essai de Dieter Buchhart intitulé « To Art its Freedom: A Collection as Emblem of Post-postmodern Polyphony ». Cet essai contextualise la collection à l’histoire de l’art contemporain.

UBS 3.jpgLe titre de la publication est une allusion à la citation à l'entrée du « Secession building » de Vienne : “To Every Age its Art, to Art its Freedom”. Il reflète l'esprit d’une collection qui permet de découvrir les artistes les plus importants de l’art depuis près de 60 ans. S’y côtoient Jean-Michel Basquiat, Damien Hirst, David Hockney, Martin Kippenberger, Willem de Kooning, Sol LeWitt, Robert Rauschenberg, Gerhard Richter, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto, Cy Twombly etc., ainsi que les artistes émergeants du temps.

UBS 4.jpgJaillit une image palpitante de la culture contemporaine riche de ses divers mouvements. Chacun à sa manière a essayé d'offrir une solution aux problèmes de l’être en son rapport au monde comme à l’art et selon des processus capables de dominer le chaos en divers gestes salvateurs face aux des standards de représentation. La fascination des plus « magiques coagulations» (F. Bacon) s'y fait parfois attractive et parfois répulsive : mais elle attise et attire le regard par les énergies qui luttent contre l'atrophie, l'immobilisation. Ces convulsions nous forcent à voir un jamais vu sous l’écorce des apparences.

Jean-Paul Gavard-Perret

 

(toiles de Caroll Dunham et Janaina Tschape).

 

29/11/2016

Daniel Templon : de l'importance d'être constant

 

Templon bon.jpgPrivilégiant la qualité aux prurits saisonniers, indifférent aux étiquettes et classification Daniel Templon continue à proposer ce que l'art du temps possède de plus probant. L'immense corpus des "50 Years" fait le point sur un galeriste devenu complice des artistes qu'il soutient. Son travail de diffusion garde un caractère expérimental. Images, sculptures, objets matérialisent des surfaces et volumes "réfléchissants" le monde et l'époque. Et chaque année Daniel Templon ouvre le regard à de nouvelles approches. Citons par exemple le tournant des années 10. Il expose pour la première fois en Europe: Anju Dodiya dont le travail est un acte de rébellion et d'exorcisme. Elle frappe par la violence de ses thématiques et la subtilité de leur traitement et leur chorégraphie.

Casebere.jpgLa même année il expose à nouveau James Casebere, photographe des architectures minimalistes et des lieux étrangement vides et ambigus. S’appuyant sur un goût de l’architecture et des sources cinématographiques, l’artiste est revenu au mouvement « staged photography » qui fut une source de l’avant garde et dont il fit partie aux côtés de Jeff Wall et Gregory Crewdson. Citons encore le peintre américain Will Cotton qui joue à la fois sur l’assouvissement et la frustration du désir en réinterprétant les références à la peinture française du XVIIIème siècle (Fragonard et Boucher). Ses toiles sont comme des utopies et des songes où se revisite une forme de baroque avec une touche de classicisme en des paysages éthérés et des créatures féeriques parées de diadèmes de biscuit. Sous l’aspect de friandises bien des effets-mères et des pertes de re-pères jouent à fond

Templon.jpgCes trois exemples montrent l’importance d’être constant au sein d’une quasi morale esthétique. Daniel Templon peut la revendiquer avec fierté. « 50 Years » sera une référence. S’y découvrent des œuvres majeures. Et qu’importe si le lecteur a peur de ne pas toujours saisir leurs tenants et leurs aboutissements. Les corpus critiques comme l’interview préface du galeriste précisent ce qui se tisse en des images où cachent nos desseins.Templon 3.jpg Preuve que l’art lorsqu’il est probant suit l'histoire des êtres et de leur connaissance. Suit comment la masse du monde prend forme chez les artistes conséquents. Ceux qui ne se limitent pas à savoir ce que deviennent les formes mais comment et pourquoi elles deviennent formes. Et comment,en se redistribuant sans cesse, elle transforme le regard.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

Galerie Templon, « 50 Years », Editions Templon, 960 p., 37 E., 2016.

00:28 Publié dans Culture, Images | Lien permanent | Commentaires (1)

24/11/2016

Qui donc sinon Beckett ?

Beckett.jpgSi à mesure que l’œuvre de Beckett avance, il n'existe plus de lumière à l'intérieur des chambres noires au moment où l'auteur et réalisateur supprime toute certitude et toute figuration et où narrateurs et personnages restent à la fois partout et nulle part, entre hier et demain, les « Lettres » créent un angle de vue particulier. Beckett y devient disert sur les travaux en cours ; ses mises en scènes, la réalisation d’œuvres radiophoniques pour la B.B.C., le tournage de « Film » (« Le plus grand film irlandais de tous les temps » selon Deleuze)  et le retour à la fiction avec « Comment c’est » après dix ans d’interruption.

Beckett 2.jpgDans ce corpus émerge un personnage central, sorte de relais à Peggy Guggenheim et à Suzanne (qu’il finira par épouser) : Barbara Bray - productrice, traductrice, critique qui rencontra Beckett en février 1958. Une nouvelle fois, comme l’écrit Jacques Kober, « Beckett est sauvé par les femmes ». Comme les deux autres, l’Anglaise lui permet de s'enfoncer dans les lieux insondables et nocturnes de son œuvre tout en lui permettant de naviguer à vue. Beckett 3.jpgL’errance est donc ponctuée de présences. Et la bienveillance de Beckett demeure patente. L’auteur reste très attentif aux autres tout en évitant pathos et effusion. Preuve que l’auteur n’a rien d’un anachorète. Certaines lettres sont même la preuve d’une forme d'exaltation.

Jean-Paul Gavard-Perret

Samuel Beckett, Lettres III, (1957-1965), Trad. de l'anglais (Irlande) par Gérard Kahn. Édition de George Craig, Martha Dow Fehsenfeld, Dan Gunn et Lois More Overbeck, Collection Blanche, Gallimard, 812 p., 2016.