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29/03/2014

Meurtre à la Maison blanche - Collectif_fact

 

 

collectif land.jpgCollectif_Fact, « A land fit for Heroes », Ferme-Asile de Sion, du 13 avril au 13 juillet 2014.

 

 

 

Le Collectif_Fact est constitué d’Annelore Schneider et Claude Piguet. Le duo vit entre Genève et Londres. Il propose, grâce à Véronique Mauron curatrice de « A land fit for Heroes », une exposition où vidéos, photographies et objets ouvrent sur un univers piégé de chasses-trappes. S’y retrouvent des assemblages d’images familières qui font référence à des films noirs classiques. Le tout est fondé sur l’espérance (douteuse) de la résolution d’énigmes dans un esprit proche du cinéma de suspense. Sous un aspect ludique (une gestion automatisée enclenche au passage des visiteurs des vidéos, éclaire certains points de l’exposition) est proposé un double questionnement : sur la façon dont l’image manipule tout spectateur  et sur la manière dont, sous effet de la crainte et de l’émotion, l’image « objective » crée des scénarii angoissants.

 

 

 

L’exposition entraîne le regardeur dans un labyrinthe optique.  Les quatre vidéos (« Hitchcock presents », « The Course of Things », « The Fixer », « A land fit for Heroes »)  deviennent des machines esthétiques pour sonder le réel et la manière dont l’image et le son le restituent. Dans la dernière des quatre vidéos - la plus intéressante - la caméra et son téléobjectif à partir d’un unique lieu  par un long plan séquence et en plongée  filment en gros plan la ville de Sion : ses diverses zones urbaines, ses alentours et isolent certains de ses « habitants ». Un coup de feu résonne, une silhouette nettoie une arme, des personnes courent. Mais les sons ne sont pas synchrones avec l’image. Si bien que la narration reste ouverte en s’intéressant plus aux temps morts qu’à une véritable « histoire » ou sa possibilité. Preuve que l’image n’est pas garante - tant s’en faut - de ce qu’elle « donne ».

 

 

 

collectif fact.jpgChaque spectateur est la victime des « tueurs » que sont les vidéastes. Ils réitèrent leur « coup » dans « Hitchcock presents » en s’emparant du dispositif du cinéaste pour sa bande annonce de « Psychose » tournée dans les décors de son film. Elle est transposée pour une étrange visite de la Maison blanche du Corbusier à la Chaux-de-Fonds métamorphosée en antre des mystères. Dans « The Course of  Things »  la voix d’Hitchcock sert de fil (pervers) à une traversée du Musée d’histoire naturelle de Londres où les visiteurs deviennent sans le savoir des otages d’un film de suspense.

 

 

 

collectif fact 2.jpgLa beauté plastique des films et de l’installation n’est pas pour rien dans la magie de l’exposition de Sion. Les deux créateurs savent que la critique de l’image peut - on dira même « doit »  - passer par le souci esthétique. Car ce qui est propre à séduire permet aussi d’émettre des doutes sur la capacité à l’image à produire du réel. Qu’on se souvienne du « Blow-up » d’Antonioni et bien sûr de celui dont les deux artistes sont forcément proches : Jean-Luc Godard.  Dans la procédure d’appel de l’installation  le « crime » (si crime il y a…) n’a le mérite que d’être annoncé. Cela représente une invitation à la discussion sur le réel plus qu’au bouclage d’une enquête.  Chacun de ses éléments restera d’ailleurs nocturne : sorti de l’ombre il y retourne. Preuve que rien ne sera résolu : comment en effet expliquer la nuit à la nuit ? Il convient donc d’exister comme l’image : sans vérité. L’exposition est à voir absolument pour s’en convaincre.

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

28/03/2014

« Blanc Bonnard et Bonnard blanc » - Didier Rittener

 

 

 

 

 

Rittener.jpg« Le syndrome de Bonnard », Mamco Genève, Le Bureau, Villa du Parc, Annemasse. 5 avril-31 mai 2014.

 

NB : 16 avril à 18h30 : conversation entre Christian Bernard, directeur du Mamco et Garance Chabert, directrice de la Villa du Parc.

 

 

 

Une légende accrédite de fait (supposé ou non) que  Bonnard à la fin de sa vie ait tenté de repeindre « en douce » certains détails de ses toiles. Il aurait été interpelé par un gardien du Musée du Luxembourg alors qu’il retouchait le vert d’une feuille d’arbre d’une de ses premières toiles. L’anecdote vraie ou fausse permet de mettre en opposition deus logiques : celle d’une institution propriétaire d’une œuvre et qui en garantit l’intégrité,  de l’autre de droit « moral » ou esthétique d’un créateur soucieux d’offrir au public ce qu’il estime une plus-value qualitative à son œuvre modifiée. Bonnard n’est pas le seul dans ce cas : certains artistes ont été taxés de vandalisme en voulant retoucher leurs œuvres. Ils furent même parfois trainés en justice. Il y a là à cette confrontation aucune réponse satisfaisante.  Partant de cette dichotomie « Le Bureau » (Villa du Parc)   a invité  sept artistes dont le Mamco conserve une œuvre (Francis Baudevin, Nina Childress, Jean-Luc Blanc, Vincent Kohler, Renée Levi, Didier Rittener, Claude Rutault) à proposer une nouvelle version sans néanmoins entamer l’intégrité matérielle de la pièce originale.  L'exposition met en avant l’impermanence d’une œuvre d’art. On s’en doutait d’ailleurs. Mais elle permet surtout de voir comment une œuvre peut évoluer dans le temps. Ce qui n’est a priori pas forcément original : de nombreux artistes utilisent systématiquement l’effet de reprises.

 

 

 

Dans cette proposition l’artiste qui offre le plus d’intérêt est le lausannois Didier Rittener. Il se dit lui-même, « un manipulateur d’images, qui combine une démarche conceptuelle, un travail instinctif et une attitude héritée du surréalisme ». Pratiquant le dessin selon un procédé particulier et à partir d’un matériau visuel existant le questionnement engagé par le « syndrome Bonnard » était fait pour lui.  L’artiste a par exemple créé deux dessins en fresque (numérotés 394 et 399)  à partir du « Naufrage » de Turner et  du « Radeau de la Méduse » de Géricault. Le calque lui permet de réaliser bien des transferts qu’il retravaille à l’ordinateur et qu’il imprime sur divers supports.  L’œuvre « indexée»  à partir d’un original permet des métamorphoses qui font oublier celui-ci. Il en va de même pour l’œuvre revisitée en un auto-référencement pour le Bureau. Elle  échappe à son modèle afin de voler de ses propres ailes. Didier Rittener prouve donc  (s’il en était besoin)  qu’entre une œuvre de départ et sa reprise et son déplacement il n’est plus question de blanc Bonnard blanc et  Bonnard blanc.

 

Jean-Paul Gavard-Perret

 

27/03/2014

Katrin Freisager : les rideaux de la Méduse.

 

 

 

 

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Les "nus" féminins de Katrin Freisager sont troublants. Mais de manière particulière et au sein de cérémonies faussement paroxysmiques et froides. Le duvet pubien abandonne sa part de légende en devenant une vitrine opacifiée qui éclate en d'autres sortilèges que celui de la simple exhibition. La photographe protège le féminin de l'être. Il reste prêt à jaillir mais selon d'autres promesses que celles proposées par les photographes masculins. La nudité ne sert plus  la prospérité du fantasme car Katrin Freisager ne réduit pas le corps en objet : elle cherche à le montrer dans une objectivité qui prolonge l'écho le plus profond de ce qu'elle est elle-même.

 

 

 

 

 

 

 

Le transfert par le modèle permet de reconstruire une identité féminine. Elle joue sur un rendu simultané des facettes intimes et publiques. L'intimité ne se remodèle plus selon nature : elle s’enrichit  par superposition de strates et de textiles parfois incompatibles.  L'artiste invite à une fouille archéologique symbolique : s'y cherche l’image d’une autre femme que l'homme (entendons le mâle)  côtoie tous les jours mais qu'il ne suffit plus  ici de "rêver".

 

 

 

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Un regard différé est proposé afin d’interroger le statut ambigu de la féminité dans une société avide de cloisonnements et de pérennité.  L'artiste donne à voir le travail de sape salutaire de la vraie liberté. Celle qui fonde et qui brise, celle qui révélée tend à occuper tout l’espace loin des stances qui  habillent d'impudiques fioritures un  regard douteux. L'impudeur de Katrin Freisager  est autre : elle ne fait plus de la femme le trophée lumineux de l’orgueil masculin.

 

 

 

 

 

 

 

Jean-Paul Gavard-Perret.